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“Vielleicht wird noch ein Schuh draus” – Eine epische Unterhaltung über die Hobbit-Filme

© Warner Bros.

Die Hobbit-Filme von Peter Jackson beschäftigen mich. Ich habe hier im Blog schon mehrfach über sie geschrieben, jedes Jahr auf’s Neue, weil sie einerseits die Fortschreibung des für mich wohl prägendsten Filmerlebnisses meiner Jugend sind und ein endloses Feld für Entdeckungen in Sachen Filmtechnik und Franchising. Andererseits stecken sie insgesamt irgendwie doch voller Probleme und Enttäuschungen und sind äußerst streitbar. Über diese Filme diskutiere ich am liebsten mit meinem Freund Martin Urschel, der genauso tief sowohl in Tolkiens Werken als auch in Jacksons Filmen steckt, wie ich. Martin hat in diesem Blog schon einen Gastbeitrag geschrieben und ich habe ihn zu seinem Buch über “The Wire” interviewt. Den folgenden, ziemlich epischen Dialog habe ich mit ihm via E-Mail geführt. (SPOILER für alle Hobbit-Filme und ziemlich heftiges Nerdtum voraus!)

Martin: Gerade habe ich die Extended Edition von Desolation of Smaug gesehen. Nachdem wir vor ein paar Tagen zusammen Battle of the Five Armies gesehen haben, ist es für mich interessant, zurückzugehen und die interne Logik dieser Filme nachzuvollziehen. Die Extended Versions scheinen mir die wesentlich besser balancierte und innerlich schlüssigere Version des Hobbit-Films (als ein Film mit zwei ziemlich willkürlich gesetzten Einschnitten) zu sein. Wenn man die Extended Editions im Zusammenhang ansieht, funktioniert zum Beispiel der Handlungsstrang um Dol Guldur.

In der Kinofassung wirkt Gandalfs Handlungsbogen im zweiten Film unmotiviert und letztlich unnötig, weil er nichts mit der Haupthandlung zu tun hat. Es geht los mit der Szene am Eingang zu Mirkwood, wo Gandalf eine Vision von Galadriel zu haben scheint, die ihm sagt, er soll zu den “High Fells” gehen, den Gräbern der neun Menschenkönige, die später zu den Ringgeistern werden. Diese “Vision” kommt unvermittelt und wirkt als Fremdkörper. Tatsächlich handelt es sich aber gar nicht um eine Vision oder einen telepathischen Kontakt zwischen den beiden – wie ich damals im Kino dachte – sondern um eine Erinnerung an einen Dialog zwischen Gandalf und Galadriel, der nur in der Extended Version von Teil 1 stattgefunden hat.

In der Extended Version von Teil 2 wird diese Erinnerung zudem vorbereitet durch einen Dialog zwischen Beorn und Gandalf kurz zuvor, bei dem es ebenfalls eine Erinnerungs-Rückblende gibt. So wirkt die Reise von Gandalf nicht mehr zusammenhanglos und willkürlich, sondern bietet eine Art Detektivgeschichte, die uns in die Backstory von Mittelerde und die größeren politischen Zusammenhänge der Schatzsuche von Bilbo und den Zwergen hineinführt. Im Kino fand ich Gandalfs Plot anstrengend, hier wirkt er auf mich nun reizvoll und als eine hilfreiche Erweiterung der Perspektive.

Der verschwundene Thrain

Noch wichtiger für den Gesamtzusammenhang sind die zusätzlichen Szenen zwischen Gandalf und Thorins Vater Thrain, der in Dol Guldur gefangen war. Damit wird Dol Guldur wieder an den Handlungsstrang der Zwerge angebunden und die ganze Detektivgeschichte findet in der auch schauspielerisch und emotional starken Szene zwischen Gandalf und Thrain ihren Höhepunkt. Ohne Thrain wirkt Dol Guldur wie ein Gimmick, um Sauron in Teil Zwei auftauchen zu lassen, also nur ein weiterer, für viele unnötiger Verweis auf die Lord-of-the-Rings-Filme, der nichts zum Gesamtbild beiträgt. In der Extended Version bieten diese “politischen” Elemente eine weitere Ebene des Schatzsuche-Plots, eine Bereicherung, wie ich finde.

Auch die strategischen Gespräche darüber, warum Azog die Zwerge eigentlich jagt und welche Relevanz der Erebor-Berg für Sauron im Kriegsfall hätte, stärken nicht nur den dritten Teil, sondern motivieren überhaupt erst die Handlung, der wir über so viele Stunden beiwohnen. Bei den “Extended Editions” von LOTR war es noch so, dass die zusätzlichen Szenen mal mehr, mal weniger interessante Erweiterungen, Exkurse und Hintergrundinfos zur Haupthandlung gegeben haben. Beim Hobbit sind dagegen einige wirklich zentrale Informationen in die Extended Edition ausgelagert wurden und der Kinofilm wirkt dadurch oft wie eine unmotivierte Aneinanderreihung ziemlich langer Actionszenen. Ich bin entsprechend gespannt, wie sich der Blick auf Jacksons Adaption möglicherweise noch einmal verschieben könnte, wenn wir alle drei Extended Editions vorliegen haben und das Puzzle noch mal neu und im Zusammenhang betrachten können.

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Alex: Lass mich einmal kurz meine Sicht der Dinge zusammenfassen. Die Special Extended Editions (SEE) der LOTR-Filme waren in erster Überlegung wohl tatsächlich “Bonus”-Versionen der Filme, deren Ergänzungen wenig auf die Kinofassungen zurückfielen. Tatsächlich ist es eher so, dass die Extended-Fassungen fast schon miteinander kommunizieren. Da gibt es einen Fall, den Jackson auch im Audiokommentar zu The Two Towers benennt, wo eine Szene aus der SEE nur Sinn ergibt, wenn man auch die entsprechende SEE zu Fellowship of the Ring gesehen hat, weil dort das Setup passiert (ich glaube, es ging um Aragorns Historie mit Rivendell).

Aber schon zum Zeitpunkt von Return of the King, als der Erfolg des Modells — inklusive all der Pickups und nachträglichen Ergänzungen zum Beispiel auf der VFX-Ebene, die Jackson gerne vornimmt — sich endgültig bewiesen hatte, passiert etwas mit diesen Filmen. Nicht nur, dass Return of the King eindeutig der am wenigsten ökonomisch gedrehte und inszenierte Film der Trilogie ist (in den Extras häufen sich auch dort schon die Anekdoten von Last-Minute-Fertigstellungen und Umwerfungen von lange geplanten Story Beats), er ist wohl auch der erste, in dem die SEE ein völlig anderes Biest ist als der Theatrical Cut. Szenen haben eine andere Reihenfolge, wechseln ihre Spielzeit von Tag zu Nacht und so weiter. Wobei – wahrscheinlich ging das sogar doch schon bei Towers los. Immerhin wird dort sogar bereits ein Charakter eingeführt (Denethor), der in der Kinofassung erst im dritten Teil auftaucht.

Peter Jackson, Dokumentarfilmer

Jackson hat stets betont, dass er die Theatrical Cuts – zumindest bei LOTR – für definitive Versionen hält, aber – sind wir doch mal ehrlich – wer guckt die denn überhaupt noch? Inzwischen kosten die drei SEE-Boxen im Set 40 Euro. Auf Blu-ray. Damals, als ich sie gekauft habe, hat das jede einzelne Box auf DVD gekostet. Bei den Hobbitfilmen ist das Prinzip jetzt endgültig Programm geworden. Gedreht wird, wofür Platz ist und dann scheint das ganze wie eine Art modulare Schnitzerei vor sich zu gehen. Im Desolation of Smaug-Kommentar berichtet er ja sogar davon, dass sie mit den Thrain-Szenen ihre ungeschriebenen Regeln gebrochen haben. Dadurch dass Jackson sich die Aufgabe gegeben hat, eben nicht nur den “Hobbit” zu verfilmen, sondern eigentlich “die Ereignisse, die zu jener Zeit tatsächlich stattfanden” (und aus denen der Roman “Der Hobbit” nur einen kleinen, sehr subjektiven Ausschnitt bildet), befindet er sich beinahe in der Rolle eines Dokumentarfilmers, der eben dabei war, 400 Stunden Material hat und daraus jetzt im Nachhinein eine Geschichte bauen muss.

Da ist durchaus auch eine interessante Parallele zu Tolkien, der ja auch immer den Mantel des Chronisten und “Übersetzers” und nicht des Romanautoren trug. Mit all der Arbeit, die Jacksons Team in Designs, Sets (ob real oder virtuell) und Charakterhintergründe steckt, ist der Film also auch nur ein Ausschnitt des quasi-realen Film-Mittelerdes. Dort scheint die Geschichte sich eigentlich in Beinahe-Echtzeit zu entfalten und die Chronik dessen wären dann die Extended Editions, während die Kinoversionen nur verkürzte und geraffte Darstellungen dessen sind, was wirklich passiert ist. Ich hab mir schon während unserer Vorführung von Battle of the Five Armies überlegt, ob man überhaupt noch von einer Tolkien-Adaption sprechen kann oder ob Jackson nicht längst sein eigenes Mittelerde-Erlebnis verfilmt. Was meinst du?

Martin: Eine Tolkien-Adaption ist es schon, weil das meiste Material (außer Tauriel, und sogar die in ihren Themen) von Tolkien stammt und das zusätzliche Material dafür genutzt wird, die Themen des Buches auszubuchstabieren. Mich interessiert dabei, warum welches zusätzliche Material eingefügt wurde und was sich dadurch an der Geschichte verschiebt. Die Klischee-Meinung dazu ist ja, dass Jackson diese Elemente aus dem Anhang aus den LOTR-Büchern eingefügt habe, um die Hobbitadaption an die LOTR-Filme anzugleichen in ihrem Stil und Ton. Das ist sicher auch nicht falsch, aber mittlerweile glaube ich, dass diese Szenen mehr bringen als nur zu betonen, dass die beiden Geschichten zusammenhängen.

Erweiterung der filmischen Landkarte

Sicherlich bewegt sich Jackson recht frei durch die Welt von Mittelerde, nicht nur auf den Wegen, die das „Hobbit“-Buch bietet, sondern er macht Exkursionen und erkundet die Nachbarschaft. Wenn er uns im dritten Film Angmar zeigt durch die Augen von Tauriel und Legolas, dann erweitert das unsere filmische Landkarte von Mittelerde, aber es gibt der ursprünglichen Hobbit-Geschichte auch eine neue Resonanz: Jackson und Co. stellen die Frage, warum die Zwerge sich auf Schatzsuche begeben, warum Gandalf sie darin unterstützt (obwohl das Projekt der Zwerge gierig erscheint, von Anfang an), und warum sie dafür ausgerechnet einen Hobbit mitnehmen, der augenscheinlich so ungeeignet für den Job wirkt.

Im Buch sind das einfach märchenhafte Setzungen, da gibt es erst mal gar nichts zu erklären. Die Drehbuchautor_innen dagegen suchen nach einer Antwort, die innerhalb der Welt diese Entscheidungen realistisch begründen kann, und finden Ansätze dazu in den Anhängen von LOTR. Offenbar war auch Tolkien selbst nicht restlos zufrieden damit, dass seine Hobbit-Geschichte „von hinten her betrachtet“ nur teilweise nachvollziehbar ist, also aus Perspektive von den Ereignissen in LOTR. Aber ich glaube, dass die Hobbitadaption nicht nur das Buch vom Ende her liest, sondern dass die Filmemacher die Chance nutzen, auch die LOTR-Filme noch mal vom Beginn her mit einem anderen Rahmen zu versehen. Die Rolle von Gandalf, Galadriel und Saruman im weiteren politischen Gefüge von Mittelerde wird klarer sichtbar, auch die verschiedenen Haltungen, die sie einnehmen. Das ist, finde ich, ein Mehrwert.

Alex: Ich würde dem zwar grundsätzlich zustimmen, aber das ist genau der Grund, warum ich nicht mehr von einer Buchadaption spreche sondern von einer Filmversion der “Historie” von Mittelerde zu dieser Zeit. Jackson betont regelmäßig, dass er am Ende (also jetzt) gerne eine einzige sechsteilige Saga hätte, die eine fortlaufende Geschichte erzählt, aber das ist immer ein Trugschluss, wenn man ein “Prequel” macht – also eine Geschichte, die zeitlich nach einem Urtext entsteht aber zeitlich vor diesem angesiedelt ist. Bei den Büchern ist “The Hobbit” (1937) kein Prequel zu “The Lord of the Rings” (1954), sondern “The Lord of the Rings” ist das Sequel zu “The Hobbit”. Es entwickelt die Themen und Figuren aus dem “Hobbit” weiter und erweitert ihren Horizont. Und deswegen ist es auch passend, das “The Hobbit” ein so viel unschuldigeren Ton hat als “Rings” – völlig unabhängig davon, ob Tolkien die Historie der Welt eventuell schon zuvor entworfen hatte. Mittelerde war zu diesem Zeitpunkt noch nicht so tief in Chaos und Verderben gestürzt wie zum Ende des dritten Zeitalters. Die Dunkelheit zog erst auf.

Die Unschuld ist verloren

Bei Jackson geht diese Unschuld, trotz aller Bemühungen verloren, weil er eben die LOTR-Filme bereits als Blaupause vor sich hat. Die Hobbit-Filme können nicht unschuldiger oder primitiver sein, allein schon weil sich die Technik weiterentwickelt hat und Jackson sich als Filmemacher verändert hat. Und deswegen leiden eben auch die Hobbit-Filme unweigerlich an Prequelitis, an Bezügen auf Geschehnisse, von denen die Figuren der Geschichte noch nichts wissen können, wir aber schon. Manchmal kann man das mit etwas komischer dramatischer Ironie vom Tisch wischen, aber gelegentlich lehnt sich Jackson auch hinein.

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Martin: Es gibt Momente von „Prequelitis“ in diesen Filmen, die mich nerven, etwa wenn Tauriel Kilis Verletzung mit Athelas-Kraut heilt oder wenn Jackson in Bree auch dieses Mal in eine Möhre beißt. Als wollten Jackson und seine Leute sagen: “Schaut mal, wisst ihr noch?“ – Und das ist unnötig, klar wissen wir noch. Dieses penetrante Winken mit dem Zaunpfahl an solchen Stellen nervt.

Ein bisschen so ging es mir auch am Ende von Battle, wenn Legolas zu dem Sohn von Arathorn geschickt wird, von dem wir alle kapieren, dass es Aragorn ist. War es nötig, das so deutlich zu machen? Das ist eine gute Szene, um zu zeigen, was für mich diese Prequels ausmacht: Ja, mich nervt der zu deutliche Verweis auf Aragorn. Aber der Gedanke dahinter ist ein guter, denn indem Legolas am Ende auf Wanderschaft geht und nach den Dunedain sucht, erhält die Begrüßung von Aragorn und Legolas in Fellowship eine andere Bedeutung. Die Beziehung der Figuren wird eine tiefere, nachvollziehbare. So ist es auch zwischen Galadriel, Saruman und Gandalf, zwischen Elrond und Bilbo. Und auch einige Themen der LOTR-Filme werden von den Hobbitfilmen stärker in den Mittelpunkt gerückt. Sauron ist eben keine konservative Metapher für Industrialisierung, sondern wird in der Geschichte mit Gier und Versklavung in Verbindung gebracht.

Die eigentlichen Helden in Tolkiens beiden zentralen Romanen sind keine nordischen Recken, sondern postmoderne Anti-Helden, Hobbits. Und da hilft Jacksons Hobbit-Adaption als Interpretationswegweiser, wenn Gandalf begründet, warum er Bilbo mitgenommen hat: „Saruman believes that it is only great power that can hold evil at check, but that is not what I found. I found that it’s the small things, everyday deeds of ordinary folk that keeps the darkness at bay, simple acts of of kindness and love.“

Es ist eben nicht eine feudale Gesellschaft voller hierarchischer Ordnungen zwischen Edlen und Arbeitern, zwischen „besseren und schlechteren Rassen“, auch wenn es feudale Gesellschaften in Mittelerde gibt, auch wenn es Hierarchien gibt und manche rassistische Tendenzen, aber die Art, in der Tolkien die Geschichte erzählt unterläuft diese antimodernen Elemente: Die Hobbits stehen im Zentrum, diese genießerischen, friedvollen und demokratisch organisierten, kleinwüchsigen Hoffnungsträger. Gerade Bilbos Weigerung, sich einer der kämpfenden Parteien so ganz anzuschließen, weil er sie einfach alle mag, löst den Konflikt zwischen den freien Völkern. Das ist bei Tolkien so und das bringen die Filmemacher auf eine Weise zum Vorschein, die auch in den LOTR-Filmen nachhallt, wenn man die Filme in chronologischer Ordnung schaut. Ich denke, bei den Jackson-Tolkien-Filmen geht das. Bei Star Wars würde ich nicht empfehlen, mit Episode 1 anzufangen, weil sonst wesentliche Pointen vermasselt werden.

Die Möglichkeit des Remix

Mich beschäftigt an dieser ganzen Hobbit-Sache glaube ich, dass man durch die intensiven Einblicke in die Entstehung des Films durch die Dokus, und durch den Remix der Szenen in der Extended Edition immer das Gefühl haben kann, “vielleicht wird da noch ein Schuh draus”, vielleicht lässt sich das Scheitern der Ambitioniertheit dieser Adaption ja noch irgendwie reparieren, indem eine weitere alternative Fassung entsteht. Die Extended Editions sind für mich, wie gesagt, schon ein Schritt in diese Richtung. Und ich bin wohl in diesem Gefühl nicht alleine, wenn man sich Rufe nach einem radikal kürzeren Fan-Edit wie bei den Star Wars Prequels ansieht, oder den Fantrailer, der Szenen aus allen drei Filmen zusammenschneidet. Nur, dass ich mir bei Jackson sogar vorstellen kann, dass er selbst noch einen Trilogie-Remix anfertigt, so er alle drei Filme teils neu zusammenschneidet. Vielleicht verstärkt die Möglichkeit des Remix – für mich – auch das Gefühl des herzzerbrechenden Scheiterns eines Projektes, das ich seit seinen Anfängen fasziniert verfolge.

Alex: Ich glaube nicht, dass Jackson darauf tatsächlich noch Lust hat, wenn er die ganze Sache hinter sich gelassen hat. Klar ist jedenfalls, dass die Extended Editions auch deswegen besser fließen, weil sie der Struktur der Erzählung besser entsprechen. Obwohl die Hobbit-Filme sehr lang sind, sind sie eben nicht lang genug, um die ganze Tiefe einzufangen, die Jackson und seine Untertanen dem Stoff gegeben haben (nach Unexpected Journey habe ich das mal “barock” genannt, Alan Scherstuhl nennt es in der “Village Voice” treffend “großzügig“). Und leider sind es häufig die Charaktermomente und nicht die Kampfsequenzen, die für’s Kino weichen müssen.

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Martin: Was ich nach Battle of the Five Armies auch fand, war, dass nun offensichtlich wird, inwiefern der Hobbit eigentlich in zwei Teilen angelegt ist. Dass diese Zweiteiler-Struktur zerbrochen wurde, führt dazu, dass die größten Stärken der Adaption stark in den Hintergrund fallen, und für Kinozuschauer fast unsichtbar werden. Mir ist schon 2013 im Kino aufgefallen, dass der Anfang von Desolation of Smaug einen anderen Rhythmus und einen anderen, bunteren Look hat, als alles, was ab der Laketown-Sequenz kommt.

Themen eines Zweiteilers

Im Audiokommentar beschreibt Jackson nun genau den Punkt, an dem ursprünglich der Hobbit als Zweiteiler unterbrochen worden wäre: Bei dem ersten Auftritt von Bard. Teil 2 wäre mit der Überfahrt nach Laketown losgegangen. Ab hier hat Desolation einen viel dunkleren Ton und eine gradlinigere Struktur. Das Traurige ist, dass bei der Ankunft in Laketown viele interessante Bögen eröffnet werden, die dann in dem frustrierenden Cliffhanger am Ende des Films abgebrochen werden. Erst im direkten Zusammenspiel von Desolation und Battle wird sichtbar, wie sich die Dynamik zwischen Tauriel und Kili, Bard, dem Bösewicht Alfrid und Bards Kindern einlöst. Die Themen “Gier” und “Liebe” tauchen erst mit Bard auf und werden in einem recht schönen Bogen durchgeführt innerhalb dessen, was einmal “There and Back Again”, also der zweite Teil des Zweiteilers gewesen wäre.

Vor der Ankunft in Laketown waren die Themen “Zuhause” und “Verantwortung”, von Bilbos schwerfälliger Entscheidung aus dem geliebten Heim wegzugehen, über die Heimatlosigkeit der Zwerge bis hin zu Thranduil und den Waldelben, die sich in ihrer Höhle einigeln und sich nicht verantwortlich fühlen wollen für die Welt um sie herum. Am Ende des ursprünglichen ersten Teils hat sich Bilbo zum gleichberechtigten, erwachseneren Teilnehmer der Gemeinschaft entwickelt und ist nicht nur anerkannt, sondern auch selbstbewusst. Im zweiten Teil spiegelt sich Gier an den Figuren des Master of Laketown, Smaug, Thranduil, Alfrid und natürlich Thorin.

Diese thematischen Bögen wurden durch die Dreiteilung zerbrochen. Man ist als Zuschauer unzufrieden, weil man spürt, dass die Brüche an unorganischen Punkten kommen. Keiner der Kinofilme hat in sich runde Bögen. Die Stärken der Adaption von Jackson treten dadurch in den Hintergrund: Unexpected Journey wirkt wie eine zahmere und langsamere Variante von Fellowship, weil die neuen Themen nicht klar hervortreten. Die bemerkenswerten Designs und das elegant-beiläufige Worldbuilding von Laketown und der unterirdischen Stadt im Erebor fallen zurück hinter einer unbalancierten, ungleichmäßigen Struktur von Desolation, die mit einem unbefriedigenden Cliffhanger abrupt abbricht.

Battle hat Schwierigkeiten, die vielen offenen Handlungsfäden wieder einzusammeln. So bleibt zumindest in der Kinofassung von Battle dann auch einfach unbeantwortet, wo Legolas eigentlich am Ende von Desolation hingeritten ist. Die Logik des Zweiteilers drückt gegen die Dreiteilung, sodass die Filme im Kino ihre Qualitäten gar nicht entfalten. Andererseits haben die vorliegenden Filme auch eine Reihe von Schwächen, die sich auch im Zusammenhang nicht erledigen werden. Etwa die Entscheidung, auf Miniaturen und reale Monster-Make-Ups zu verzichten und stattdessen über weite Strecken Räume und Figuren mit CGI zu animieren.

Alex: Nach Battle fällt es wirklich deutlicher auf als je zuvor. Eigentlich sind es nach wie vor zwei Filme, zwei viereinhalbstündige vielleicht, aber während die erste, neu gefundende Bruchstelle am Ende von Unexpected Journey noch einigermaßen funktioniert, hat Desolation jetzt kein richtiges Ende und Battle keinen richtigen Anfang. Die Trennung geht mitten durch einen echten Höhepunkt. Im Zeitalter der finalen Zweiteiler (Harry Potter, Hunger Games, Twilight) ist das ja schon fast nichts besonderes mehr, aber es wird halt nicht so verkauft, sondern als Trilogie in drei Kapiteln, die es eindeutig nicht ist.

Nicht Fisch, nicht Fleisch

Ich könnte mir stattdessen problemlos die SEEs in neun oder zehn Kapiteln vorstellen, wie die Season einer HBO-Serie – aber ich hätte wirklich gerne einen zweiteiligen Hobbit gesehen. Wie du schon sagst hätte ein Diptychon wirklich interessante Gegenüberstellungen erlaubt – zwei große Dialogszenen für den Meisterdieb Bilbo (Gollum und Smaug), zwei sehr unterschiedliche Stimmungen, ein Reisefilm und ein Kriegsfilm, ein Film der Fabelwesen und ein Film der Menschen und und und. Stattdessen haben wir jetzt drei Filme, die nicht Fisch, nicht Fleisch sind und halt doch nur zusammen einen Sinn ergeben.

Die ästhetische Frage, die du zum Ende aufwirfst, ist eine ganz andere. Ich habe im letzten Dezember schon einmal darüber gebloggt, was hier meiner Ansicht nach schiefgelaufen ist und was ja selbst Senior VFX Supervisor Joe Letteri benennt. Die Extras zu Desolation bestätigen einen erneut in diese Ansicht. Obwohl Jackson noch immer sehr viel real baut (das Set der Seestadt ist ein Faszinosum, genauso wie der Aufwand, der für Smaugs Höhle betrieben wurde) bilden die Sets, bei all dem Aufwand, der hineingesteckt wird, halt doch nur eine Art Grundstock für die Welt, die später im Computer entstehen wird – und die ja sogar oft “übermalt” wird, weil es im Endeffekt halt einfacher ist, das ganze Bild aus Bits zu bauen, als es nur zu ergänzen (übrigens nicht nur bei Jackson – ähnliche Geschichten habe ich auch von anderen VFX-Teams, zum Beispiel bei den Avengers gehört).

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Und obwohl ich ja grundsätzlich ein Fan von digitalen Effekten bin und sogar über Filme, die in ihrer digitalen Überhöhung noch viel weiter gehen, einst eine glühende Magisterarbeit geschrieben habe, passt es mir hier nicht in den Kram. Gerade dadurch, dass Mittelerde in Jacksons Filmen so einen fast dokumentarischen Charakter hat, wünscht man den Filmen mehr Verhaftung im Realen. Miniaturen gingen ja wohl durch das 3D-Verfahren nicht mehr, aber auch bei Creature Effects setzen die Hobbits ja zigmal mehr auf digitale Charaktere als LOTR – Azog ist das beste Beispiel. Und manchmal hat man das Gefühl, es wird dann auch als Shortcut benutzt, zum Beispiel bei diesen merkwürdigen Bergziegen, mit denen die Zwerge in Battle plötzlich aus dem Nichts einen Berg erklimmen. Jackson macht das zum Glück noch seltener als etwa George Lucas in den Star-Wars-Prequels, aber ein bisschen ist er dem digitalen Teufel schon verfallen.

Der alte Streit über HFR 3D

Martin: Ich glaube übrigens, dass die ästhetischen Probleme schon mit der Entscheidung losgingen, in 3D und HFR zu drehen. Das bringt einen ganzen Haufen Probleme mit sich. Gerade in der extrem zeitknappen Situation vor dem Drehstart des Hobbits wäre es sicher klüger gewesen, sich auf andere Punkte zu konzentrieren als auf das Projekt, kameratechnischen Fortschritt voranzutreiben. Der Look der Kombination aus Digitalkamera, 3D und HFR ist ein ganz anderer als bei den LOTR-Filmen und auch wenn der Look an sich interessant ist, passt er nicht zu Mittelerde. Die phantastische Welt verträgt diese ultrahochauflösenden Bilder nicht. Zum einen weil sie viel weniger ‚verzaubert‘ wirken, zum anderen, weil man plötzlich die Gumminasen des Make-Ups, die Perücken, die gebauten Kulissen usw. knallhart sieht. Entweder man hätte sich in all diesen Punkten zu nie gekannten neuen Höhen an Genauigkeit und Realismus im Maskendesign, den Effekten usw. aufschwingen müssen, oder man bliebe eben besser beim viel gnädigeren Blur des Filmmaterials. So wirken die Filme im Kino viel künstlicher als damals die LOTR-Filme und auch die digital animierten Elemente sehen in dieser wahnsinnigen Schärfe viel schneller billig aus. Auch das ist etwas, was ich beim DVD- und nun Blu-Ray-Ansehen bemerke: Im Heimkino, in 2D und niedrigerer Auflösung wirken die Filme weniger künstlich, umstandsloser.

Alex: Entweder ich bin besser darin als andere, diese angebliche Lookverschiebung zu verdrängen oder andere sehen etwas, was sie sehen möchten. Ich habe mir ja extra vor Battle noch einmal Desolation in HFR 3D angeschaut und ich fand ihn vom Look absolut prima und stringent, weder billig noch zu hoch aufgelöst, dafür aber eben deutlich angenehmer für die Augen. Bei Battle fielen mir die negativen Aspekte zum ersten Mal so richtig auf, etwa in der Anfangsszene des Drachenangriffs, wo man einfach pausenlos sah, dass hier Figuren vor Green Screen mit den Hintergründen zusammengeklebt wurden. Und die Szenen ohne viel Tricktechnik, etwa am Strand nach dem Feuersturm, sahen tatsächlich ein bisschen nach Videoästhetik aus – aber ich vermute, dass das eine bewusste Entscheidung war.

Viel mehr ärgert mich, dass die Filme zwar mit hohem Aufwand in 3D gedreht wurden, aber ihr Tiefenbudget überhaupt nicht ausschöpfen. Sie wirken insgesamt erstaunlich flach, obwohl sie das nun wirklich nicht müssten. Zum Beispiel finde ich nicht, dass man die wahre Dimension des Schlachtfeldes während der titelgebenden Battle of the Five Armies auch in 3D nicht wirklich ahnt, zumindest ging es mir so. Ich habe mindestens zwei Filme dieses Jahr gesehen, bei denen trotz anderer Schwächen wenigstens das 3D richtig Spaß gemacht hat (Jeunets T. S. Spivot und Das magische Haus) und ich nehme es Jackson ein bisschen übel, dass er diese Chance verpasst hat. Vielleicht war er nach Unexpected Journey auch ein wenig ernüchtert, was die Resonanz auf HFR 3D anging oder hat auch vom Studio die Anweisung bekommen, dort nicht mehr zu viel Ressourcen hineinzustecken. Genau wie beim Erzählerischen auch werden die Filme eben doch einen großen Teil ihres Lebens auf Heimvideomedien verbringen – und dann optimiert man sie eben von vornherein eher dafür.

Der Untergang eines Pioniers

Mit LOTR war Jackson Pionier in Sachen Bildgestaltung, mit dem Hobbit wollte er wieder einer sein. Ich glaube, er ist diesmal gößtenteils gescheitert aber es ist ihm dafür, vielleicht unfreiwillig, auf andere Weise gelungen, eben mit diesen modularen Erzählmodi, die wir weiter oben diskutiert haben. Würdest du dem zustimmen?

Martin: Ich fürchte, bisher sind die Hobbit-Filme wirklich keine Pionierarbeit. Ob sich das modulare Erzählen in parallel existierenden Versionen im Nachhinein als die Errungenschaft dieser Filme herausstellen wird, bleibt erstmal abzuwarten. Ich entdecke gerade überhaupt erst die verdeckten Qualitäten dieser Filme, nachdem ich im Kino zweimal ziemlich enttäuscht war und zweimal von den SEEs positiv überrascht wurde. Ich bin gespannt, ob andere auch diese Entdeckung machen werden. Manche Länge und mancher Exkurs diese Filme wirkt für mich jetzt nicht mehr als bloßer Exzess, sondern fügt sich ein in ein Gesamtbild, das mir gefällt.

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Schon bei LOTR hat Jackson etabliert, dass er nicht eine einzige Idealversion der Geschichte zu schöpfen versucht. Bei einem seiner ersten Interviews mit “Ain’t it Cool News” (Link leider nicht mehr leicht ergooglebar – Alex) sagte Jackson schon während der Dreharbeiten zu LOTR, dass er seine Filme nur als eine Version, eine Deutung sieht. Das ist anders als manche Adaptionen, die sich beste Mühe geben, das Buch in sich aufzunehmen und seine Position einzunehmen – Stanley Kubricks Romanadaptionen waren so, perfektionistisch und vereinnehmend. Wenn Kubrick ein Buch verfilmt, bringt er es zum Verschwinden. Aber Peter Jackson stellt eine mögliche Deutung daneben und durch die verschiedenen Schnittfassungen zeigt er gleich noch, dass es auch von dieser Deutung keine eine, definitive Version gibt, sondern von Anfang an verschiedene Remixes in verschiedenen Medien. Das ist also auch nicht unbedingt etwas Neues der Hobbitfilme, sondern scheint eher in der Haltung von Jackson als Filmemacher zu liegen. Als er seinen King Kong-Film herausgebracht hat, sagte er auch immer wieder, er sei gespannt, wie lange es dauert, bis jemand anderes die nächste Version von der Geschichte herausbringt. Jackson sucht nicht die eine perfekte, letztgültige Version, sondern er bietet uns seine persönliche Auslegung einer klassischen Geschichte, gleich mehrmals spielerisch und verschieden zusammengesetzt.

Nur, dass bei den Hobbitfilmen die einzelnen Filme nicht alleine stehen können, ohne schlechter auszusehen als sie eigentlich sind. Wenn sie Pionierarbeit leisten, dann eher in ihrem Verständnis von Worldbuilding, diesem Angang, von dem du sagst, das ist gar keine Tolkienadaption mehr – was ich immer noch finde, trotzdem. Aber ob nun Tolkienadaption oder völlig losgelöstes Jackson-Fest: Wer die Hobbitfilme entdecken will, muss wohl noch mehr Liebhaber sein als bei den LOTR-Filmen, weil man sich viel Zeit nehmen muss für die Langfassungen, in denen sich das Puzzle zusammensetzen lässt. Sie sind Exzess und Spielerei, Vertiefung und Erweiterung einer Welt, ein verrückter Liebesbrief an Mittelerde und ein Genre, technisches und ästhetisches Experiment mit Gewinnen und Verlusten, natürlich auch ein riesen Geschäft, das sich trotz all des sonderbaren Exzesses finanziell rechnet. Damit sind sie auf jeden Fall etwas Besonderes. Etwas Vergleichbares werden wir, glaube ich, so schnell nicht noch mal sehen.

Film-Blog-Adventskalender – 4 – Henning Hönicke

Das vierte Türchen ist ein Wurmloch, das wieder zurück in dieses Blog führt. Unser heutiger Adventskalender-Wichtel, Henning Hönicke, ist Redakteur bei “Ygritte online”, Verzeihung, “Brigitte online”, und hat bisher nur ein Mikroblog unter twitter.com/hhoenicke, in das der Geschenktipp platzmäßig nicht so gut hineingepast hätte. Henning freut sich über Links zu Abrams-Trailer-Remixen und Lightsaber-Memes und hat mir versprochen, sich sehr bald ein Makro-Blog zuzulegen.

Es ist mal wieder soweit: Ein neuer Star-Wars-Trailer taucht auf, und die halbe Welt zebricht sich den Kopf, ob das jetzt gut oder schlecht ist. Immerhin wurden zu viele Fans schon einmal aufs Härteste von dem „Es gibt wieder Star Wars“-Versprechen enttäuscht (oder auch nicht, je nach Alter). In der endlosen Debatte darüber, ob jetzt die Star-Wars-Prequels sehens- oder hassenswert sind, kommt eines meiner Lieblingsargumente aus der aufwändigen Abrechnung des Redletter-Media-Teams.

Gleich zu Beginn der Kritik von Episode 1 werden Menschen gebeten, doch mal die Protagonisten kurz zu beschreiben. Und, oh Wunder, keiner Sau fällt irgendwas ein, was man zu Queen Amidala, Anakin Skywalker oder Darth Maul sagen könnte. Bei der Original-Trilogie hingegen hat niemand Probleme sofort zu beschreiben, was man sich denn so unter „Han Solo“ vorstellen kann.
An so einem Punkt merkt man dann wieder: Die Original-Trilogie steht vor allem auch deshalb noch so hoch im Kurs, weil sie einfach eine gute Story mit interessanten Figuren erzählt (eingesprenkelte Ewoks jetzt mal ausgenommen). Und diese Story funktioniert, Achtung, Blasphemie, fast noch besser ohne Bild.

Klingt eher unwahrscheinlich, die Filme sind ja aus gutem Grund für die bahnbrechenden Special Effects, detailverliebte Ausstattung und Metall-Bikinis bekannt. Das wusste man natürlich auch vor etlichen Jahrzehnten beim National Public Radio – und sagte sich spontan: „Egal, machen wir jetzt“. Ergebnis: “Star Wars – The Original Radio Drama”.

Dass Star Wars in der Hörspielfassung so unglaublich gut ist, liegt an mehreren Dingen:

1. Star Wars hat schon immer sehr stark über das Ohr funktioniert, nicht nur wegen John Williams. In der Hör-Fassung entdeckt man noch einmal ganz neu, was für eine enorme Leistung es von Sounddesigner Ben Burtt war, ein komplettes Science-Fiction-Universum zu vertonen. Brummende Laserschwerter, kreischende Tie-Fighter, brüllende Wookies – mir fällt kein anderer Film ein, wo es so eine Masse von Sound-Effekten gibt, die gleich ein so starkes Bild im Kopf erzeugen.

2. Die Besetzung ist unglaublich gut. Mark Hamill, Anthony Daniels und Billy Dee Williams haben ihre Rollen sogar noch einmal komplett selbst neu fürs Radio gespielt und auch der Rest ist perfekt getroffen – Perry „Trio mit vier Fäusten“ King ist ein sehr überzeugender Han Solo, und John Lithgow ist fast noch Yoda-hafter als das Original (selbst Lisa-Simpson-Darstellerin Yeardley Smith ist in einer Nebenrolle dabei).

3. Die Story – jaja, habe ich schon erwähnt. Aber da Star Wars so nachhaltig von Flash-Gordon-Serials der Dreißiger inspiriert war, funktioniert die Geschichte auch umgekehrt hervorragend in halbstündigen Radio-Drama-Episoden mit Cliffhanger am Ende. Außerdem ist in der Radiofassung genug Zeit für Handlungsstränge, die aus dem Film gekürzt wurden. Wie deprimierend ist Lukes Alltag auf Tattooine? Wie lebt es sich so als Prinzessin auf Alderaan? Gar nicht erst nach Fan-Fiction suchen, die diese Fragen beantwortet – das Radio Drama ist offiziell von Lucasfilm als Kanon abgesegnet worden.

Falls ich mal wieder stundenlang Auto fahren oder den Kessel Run in 12 Parsecs reißen muss – ich weiß schon, was ich mir dabei anhören werde.

Nachhaltigkeit (III)

Das Internet mag ein ewiges Langzeitgedächtnis haben, doch sein Kurzzeitgedächtnis ist miserabel. In der Rubrik “Nachhaltigkeit” gehe ich zurück zu meinen Blogeinträgen der letzten Monate und verweise auf interessante Entwicklungen in den angerissenen Themen.

Cinematic Universes

First things first. Mein Lieblingsthema, das Marvel Cinematic Universe, erfährt dieser Tage einen harten Backlash. Wobei, es ist nicht einmal das MCU, dass beschimpft wird, sondern die Studios, die jetzt alle versuchen, das Prinzip zu kopieren. Egal ob Universal Monster, Robin Hood oder Ghostbusters. Jeder will ein Stück vom Kuchen abhaben mit Filmen, die das Avengers-Modell kopieren, das Marvel so viel Geld eingebracht hat. Und wie immer scheitern die Nachahmer. Dracula Untold, der Film, den Universal noch nachträglich zum ersten Franchise-Film umgebaut hat, muss einsamer Mist sein und jetzt ist mehreren Kritikern der Kragen geplatzt. Peter Sciretta, Chef von “/Film” hat in seinem Artikel 9 Current Movie and Television Trends I hate die Universen gleich an erste Stelle gepackt – und direkt seine Kollegin Angie Han zitiert.

Bei “The Dissolve” hat Scott Tobias sogar eine längere Abhandlung namens “The Case Against Cinematic Universes” verfasst und ganz klar die Schwächen solcher Filmreihen benannt: Die Filme müssen sich ähneln, sie müssen Szenen enthalten, die eigentlich nicht in den Film gehören, und sie werden schwerfälliger, weil sie Zukünftiges aufbauen müssen. Tobias hat natürlich absolut recht. Ich glaube trotzdem, dass diese Art Filmemachen – wenn es clever angestellt ist – dennoch seinen (popkulturellen) Wert haben kann. Aber wann hat der Kopierwahn in Hollywood jemals zu etwas Gutem geführt? Sam Adams hatte schon im August festgestellt, dass die After-Credit-Scene in Guardians of the Galaxy noch der beste Kommentar auf Marvels Synergiebemühungen ist.

Ein weiterer Aspekt dieser Art von Franchising, den ich schon vor zwei Jahren aufgeschrieben hatte, ist, dass Filme durch die über den einzelnen Film hinaus geplante Produktion, stärker wie Fernsehserien werden. Für den “Hollywood Reporter” hat Richard Greenfield das Argument vorgebracht, dass sich das noch verstärken sollte.

In a sense, movie studios will need to morph into television studios, which tell ongoing stories. This is a logical evolution for a movie industry that is now obsessed with the creation of “franchises,” with increasingly little to no interest in midbudget films. How many wannabe Jedis and their families would pay for an everything Star Wars subscription? Avengers? Frozen? Spider-Man? Batman? Avatar? Whereas the movie industry has resisted change in the past decade(s), major change over the next decade feels inevitable.

Eigentlich eine schreckliche Vorstellung.

Das neue Star Wars Universum

Das einzige Medienuniversum, dem die Kritikerinnen noch etwas zuzutrauen scheinen, liegt in den Händen der “Lucasfilm Story Group”. Es geht natürlich um Star Wars, dessen neue Serie Rebels ich ja in einem Podcast besprochen habe. Außerdem hat Lucasfilm ja in diesem Jahr das alte Expanded Universe dichtgemacht und durch einen neuen, zentral gesteuerten Kanon ersetzt. Hierzu sehr lesenswert: “The Star Wars Expanded Universe: A Eulogy“, John Jackson Millers Bericht über seinen Weg zum ersten Roman im neuen Kanon, A New Dawn sowie der erste Teil des Interviews mit Simon Kinberg, einem der Masterminds in der Story Group.

Über Dawn of the Planet of the Apes schreibend habe ich versucht zu erfassen, wie Prequels funktionieren können, nämlich indem sie möglichst indirekt auf ihren Ur-Text Bezug nehmen. Noel Murray hat auf “The Dissolve” allgemeiner auf “The Problem with Prequels” hingewiesen und sie vor allem vom Flashback abgesetzt. Warum steht das hier noch unter der Star Wars-Überschrift? Weil Rebels den Schuss anscheinend nicht gehört hat.

Einheitstheorien

Ich habe in der berüchtigten “Pixar Theory” ja eine Sehnsucht nach einem gemeinsamen Universum gesehen, in dem sich unsere fiktionalen Helden begegnen könnten. Nicht nur hat die Pixar Theory vor kurzem durch ein YouTube-Video neuen Aufwind bekommen, sondern auch einen ebenso genialen Cousin: Die Stan-Lee-Theorie.

Diese Theorie postuliert, dass Stan Lee – der in jedem Marvel-Film einen Cameo-Auftritt hat – in Wirklichkeit immer die gleiche Figur spielt. Die Theorie existiert in zwei Varianten. Eine Möglichkeit ist, dass Lee den “Watcher” spielt, eine schräge Figur aus dem “kosmischen” Teil des Marvel-Universums, die alles beobachtet, aber nie eingreift. Viel besser finde ich Variante Nummer zwei: Stan Lee ist ein ganz normaler Typ, der Superhelden scheinbar magisch anzieht und darüber nicht gerade glücklich ist. Hochamüsant.

Internet im Film

Mein Artikel vom letzten Jahr, “Unser vernetztes Leben ist im Kino nur eine Randnotiz” bekommt dieser Tage wieder Aufwind, weil Jason Reitmans Film Men, Women and Children in den USA gestartet ist. Darin geht es um mehrere Geschichten, die sich um Kommunikation, Beziehungen und das Internet drehen und der Film scheint in die gleiche technophobe Kerbe zu hauen, die man seit Jahren im Hollywood-Kino beobachten kann. (“Hackers and Nerds” ist übrigens Punkt 8 auf Scirettas Hassliste). Kate Erbland fragt auf “Screencrush” zurecht: “Why are Movies still afraid of the Internet?”

Der reinen Darstellbarkeit von moderner Kommunikationstechnologie hat sich auch Tony Zhou angenommen, dessen Videoserie “Every Frame a Painting” sich zunehmend zu einer der “Must Watch”-Dinge für Filmfans entwickelt.

A Brief Look at Texting and the Internet in Film from Tony Zhou on Vimeo.

Und außerdem

David Bordwell sieht Filmarchive mit anderen Augen als ich (logo). Während ich bei jeder Gelegenheit für mehr Humor in Comic-Verfilmungen plädiere, hat Warner/DC tatsächlich eine No Jokes Policy. Zu meinem Rant über das Kritikerspiel passt ganz gut David Bordwells Sammlung von Erste-Welt-Problemen großer Kritiker. (Außerdem werde ich übrigens im November zum Thema in einer Podiumsdiskussion sitzen.)

Und noch habe ich keinen Job bei “Wired”. Aber ich habe dank der App Timehop diesen Facebookpost von vor 5 Jahren wiedergefunden. Ich liebe das Heft wirklich.

Podcast: Star Wars: Rebels – Spark of Rebellion

© Disney

Heute abend ist Premiere für die neue Star Wars-Serie Rebels auf Disney XD. Sascha von Pew Pew Pew, Philipp von Serien.Ninja und ich haben den “Pilotfilm” Spark of Rebellion auf der “Kinotour” vorab gesehen und gemeinsam besprochen.

(Für jemanden, der sich gerne über die Klangqualität anderer Podcasts beschwert klingt meine eigene Stimme diesmal extrem nach Echokammer. Leere Konferenzräume sind eben keine guten Aufnahmestudios. Besserung ist gelobt.)

Wir spoilen den Film in der ersten Hälfte des Podcasts in groben Beats und sagen dann irgendwann an, wenn wir richtig ins Detail gehen.

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Shownotes:

Crosspost mit “Pew Pew Pew”

Kreative Archäologie: Der Comic zu The Star Wars

Der Brontosaurus hat nie gelebt. Er war eine Erfindung des Archäologen O. C. Marsh, der ein unvollständiges Fossil eines Apatosaurus mit einem anderen Kopf ergänzte, um es ausstellen zu können. Damals, Ende des 19. Jahrhunderts, fochten einige besonders ehrgeizige Archäologen untereinander gerade die sogenannten Bone Wars aus. Sie machten solche Akte kreativer Archäologie manchmal notwendig.

Nicht nur die “Bone Wars”, auch die Star Wars haben jüngst einen solchen kreativ-archäologischen Akt hervorgerbacht. Grundlage dafür sind die Prototypen der Star Wars Saga in Form von Lucas’ frühen Drehbüchern und Story-Umrissen aus den Jahren 1973 und 1974. Lucas hat nie damit hinter dem Berg gehalten, dass eine Version von Star Wars existierte, in der ein Charakter Starkiller heißt, Han Solo ein grünes Alien ist und der Slogan noch “May the Force of Others be with you” hieß. Genau aus dieser Version, dem Rough Draft “The Star Wars” vom Mai 1974, hat Dark Horse Comics seit Herbst letzten Jahres eine Comicserie gemacht, die im Sommer auch als gesammeltes Paperback erschienen ist. (Ganz im Stil des neuen Trends, Filme und Serien in Comics fortzusetzen, siehe Buffy oder Fight Club.)

Das Ergebnis dieses Experiments ist ein Faszinosum an kreativer Archäologie. Lucas’ Drehbuchentwurf bleibt intakt und erlaubt so das “Studium” der Evolution von Star Wars, doch die Aufbereitung als Comic sorgt dafür, dass dieses Studium eine unterhaltsame SF-Achterbahnfahrt ist. Außerdem schafft sie durch die Art und Weise, wie die Macher (Star Wars-Chefhistoriker J. W. Rinzler und Grafiker Mike Mayhew) den Text visuell interpretiert haben, eine neue interessante Metaebene.

Der “Rough Draft” ist, wie gesagt, schon länger in der Welt, daher erspare ich mir hier sowohl eine Zusammenfassung als auch eine längere Analyse des Textes und seiner zeitgenössischen Inspirationen. Aus heutiger Zeit ist im Rückblick sicher vor allem interessant, dass Lucas die Erschaffung der Prequels anscheinend als Gelegenheit gesehen hat, ungenutzte Ideen aus seinen Prototypen abzustauben und wiederzuverwerten. In The Star Wars fällt, besonders am Anfang, die starke politisch-bürokratische Dimension von Lucas’ SF auf, die ja auch in den Prequels eine (leider schwerfällig umgesetzte) wichtige Rolle spielt. Bei der Eroberung der Galaxie geht es genau so sehr um Ressourcen, Budgets und Legitimation, wie um Abenteuer und Erforschung fremder Welten.

Ebenso bemerkenswert ist, dass Lucas anscheinend schon 1974 eine schrecklich minnesängerische Vorstellung von romantischer Liebe hatte. Liebe entsteht in Lucas’ Star Wars Universum nicht durch erotische Spannung, gemeinsame Interessen oder gar banale Attraktivität, sondern durch Deklamation. Episode II lässt grüßen.

Die visuelle Interpretation dieser frühen Träumereien von Lucas muss eine spannende Aufgabe gewesen sein. Es ging ja weniger darum, eine eigene Bildsprache zu entwickeln, sondern vielmehr jenes freakige Paralleluniversum ausfindig zu machen, in dem eben nicht Star Wars verfilmt wurde, sondern The Star Wars. Grafiker Mike Mayhew erklärt im Interview mit “Bleeding Cool”, dass es ihm vor allem darum ging, sich in den jungen George Lucas hineinzuversetzen: “Maintaining the integrity of George’s purest and wildest ideas for what would become STAR WARS is paramount”.

Als Ausgangsmaterial zog das Team nicht nur die SF der Zeit – Filme wie Zardoz, Bilder von Künstlern wie Roger Dean, die galaktischen Comics von Jack Kirby – heran, sondern griff vor allem auch die vielen visuellen Alter Egos der Star Wars Saga wieder auf, die ja in Form von Konzeptzeichnungen noch in den Lucasfilm-Archiven existieren und an denen sich auch J. J. Abrams derzeit für Episode VII wieder bedient. Im Interview mit “Newsarama” beschreibt Rinzler den Prozess:

What Mike Mayhew, Randy Stradley and I did was pore over the different designs and go back-and-forth with each other on what would work for each character. I know a lot of the artwork pretty well from doing the Making Of books, and I could point to certain things, like an off-hand McQuarrie sketch, and say it might work for such and such.

Dank der Fülle an Material blieb nur wenig, was aus dem Nichts erschaffen werden musste. Und schließlich gab es als Inspirationsquelle ja auch noch die Prequels, in denen sich wie erwähnt einige Echos des Drafts finden. Und so sieht der Palast auf Aquilae sicherlich nicht nur zufällig ein bisschen aus wie der Palast auf Naboo und auch einige Sternenschiff-Designs könnten verworfene Ideen aus The Phantom Menace sein.

Das Experiment ist gelungen. Es muss auf unfassbar nerdige Weise Spaß gemacht haben, sich ein alternatives Star Wars-Universum aus so disparaten Teilen zusammenzukleben – auch wenn Lucas’ erster Draft dem Film, der tatsächlich entstand, deutlich unterlegen ist. Das Ergebnis unterhält folglich auch vor allem auf einer Metaebene für Fans – das aber richtig gut. Im Gegensatz zum Brontosaurus reicht das hier ja auch.

Quotes of Quotes (XXIII) – Der neue Kanon von Star Wars

Die Neuordnung des erzählerischen Universums bei Lucasfilm ist für mich als Franchising-Beobachter im Moment der interessanteste Prozess neben dem Marvel Cinematic Universe. Gute drei Jahrzehnte Worldbuilding und Storytelling werden über den Haufen geworfen, um für die Zukunft einen stärkeren Markenkern und mehr erzählerische Freiheiten zu besitzen. Allerdings wird, anders als so oft in anderen Erzählwelten, kein Komplett-Reboot durchgeführt, sondern ein Teil der bisherigen Texte (die Filme und die Fernsehserie The Clone Wars) bleiben als kanonisch erhalten, während alles, was um sie herum gebaut wurde, für die Zukunft irrelevant ist. Eine ungewöhnliche Mischung.

Noch ungewöhnlicher ist allerdings, dass der entschiedene Wandel aufgrund der starken Fanstrukturen und der von mir immer wieder gerne zitierten “Running the Asylum”-Situation – das heißt: die Macher der neuen Erzählungen waren früher Fans der alten – so öffentlich ausgetragen wird. Lucasfilm kann nicht einfach beschließen, dass jetzt alles anders ist. Es muss Wege finden, diesen Prozess öffentlich zu rechtfertigen. Das bedeutet auch, dass sie öffentlich in Diskussionsstrukturen um Kanonizität vordringen muss, die eigentlich typisch nur für obsessive Fans sind.

Die Webseite “Screenrant” hat auf der San Diego Comic-Con, wo einige Schlüsselfiguren anwesend waren, vor allem um die erste weithin sichtbare Manifestation des neuen Kanons – die Fernsehserie Rebels – vorzustellen, den Machern ein paar Fragen gestellt und sehr interessante Antworten bekommen.

Wichtig ist, wie sowohl Lucasfilm Storygroup-Mitglied Pablo Hidalgo, wie auch Verlagsfrau Shelly Shapiro darauf hinweisen, dass Kanonizität an sich noch kein Werturteil ist. Hidalgo:

The word ‘canon’ is so loaded […] the folks that were making novels in the ’90s didn’t have an opportunity to know [that there would be new films]. So that’s a purely functional, production-driven definition of that word. If something as a result is not declared ‘canon,’ don’t let that word be a value base. It doesn’t mean that story is now worthless or meaningless. (Hervorhebung von mir)

Shapiros Aussage ist fast noch besser:

Everything now – starting from [novel] “A New Dawn” on – is canon. So if you care about that – which you really probably shouldn’t, but if you do – it’s all a part of this whole new collaborative process. All of this stuff happened. But not really; it’s fiction. (Hervorhebung von mir)

Selten wird die Schere zwischen arbeitstechnischen Notwendigkeiten im Franchising-Prozess und den Fan-Erwartungen, dass die operationelle Ästhetik erhalten bleibt, so sichtbar wie in solchen Momenten. Umso cleverer ist daher die Strategie der Macher, allen bisherigen “Expanded Universe”-Geschichten das Banner “Legends” zu verpassen und somit quasi eine Welten-intrinsische Motivation für die De-Kanonisierung zu finden. Shapiro:

Even though they would no longer be part of a Star Wars official history, they’re still stories that mean something, and they can mean something to you, even if they didn’t ‘happen.’ That they are legends. […] So that’s why we called it Legends… So it wouldn’t get shoved off too far to the side, and treated like it never happened.

Franchise-Nomenklatur: “Soft Reboot”

“I’m not sure there’s that much value in determining what these nonsense words
mean anyway. They’re mostly for bloggers and entertainment journalists
to bandy about as they attempt to draw clicks to their website.”
– Craig Mazin, Scriptnotes #150

In der wackren neuen Welt des Film-Franchising versuchen Macher und Beobachter noch immer, der verschiedenen Strategien habhaft zu werden – auch, indem sie ihnen Namen geben. Immer mal wieder stolpere ich dabei auf neue Ideen, die mir gefallen. Zum Beispiel wenn Blogger “Echo-07” in seinem (für Star Wars-Theoretiker wie mich) durchaus interessanten Spekulationsartikel auf “Star Wars Episode 7 News” folgendes zu den neuen Star Wars-Filmen schreibt:

For the short-game we are getting six movies along with the TV show Rebels. For the long-game Episode VII is a “soft reboot” as the Original Trilogy cast acts as “connective tissue,” passes on the torch, passes on their storied legacy to a new generation of heroes and villains to carry said torch as far as they can, until they pass it on. (Meine Hervorhebung)

Den Begriff “soft reboot” im Bezug auf Franchising lese ich hier zum ersten Mal, aber er ergibt für mich sofort Sinn. Kein Wunder: Der “Hollywood Repoerter” identifizierte den Soft Reboot bereits im Februar 2012 als “Hollywood’s newest trend”, unter anderem in Reaktion auf den Backlash gegen The Amazing Spider-Man.

Dahinter steckt der Wille der Filmemacher, die Marke zu erneuern ohne dabei alle Verbindungen zur Vergangenheit zu kappen, wie es Anfang des Jahrtausends so beliebt war. Statt also wie bei James Bond oder Batman zu sagen, “Dies ist nicht der Charakter, den eure Eltern noch kannten, er ist neu und ganz anders und hat nichts mit seiner alten Version zu tun” beschwört man ganz bewusst die Bezüge zum Ur-Text herauf, lässt sich sozusagen von diesem den Segen erteilen, jetzt neue Geschichten zu erzählen, ohne die Kontinuität zu brechen.

Star Wars ist nicht das einzige Franchise, das diesen Weg geht. Jurassic World sieht danach aus. Und sowohl in J. J. Abrams’ Star Trek als auch in Bryan Singers X-Men: Days of Future Past bedienen sich die alten Charaktere Zeitreise-Plots, um die Fackel sogar an jüngere Versionen ihrer selbst weiterzugeben. Transformers 4 scheint den Begriff aktiv im Marketing zu benutzen. Es wird interessant sein, zu sehen was James Cameron mit seiner neuen Avatar-Trilogie macht. Dass das Prinzip in komplexeren Konstrukten wie Comic-Universen nach hinten losgehen kann, darauf wiesen mich zwei meiner Follower auf Twitter hin.

Die Bezeichnung existiert übrigens auch im Computerbereich, wo ja “Reboot” überhaupt herstammt. Und sie passt perfekt: “A soft reboot, by definition, is anything that uses only software to reboot the controller.” Mit anderen Worten: Der Neustart wird aus sich selbst heraus motiviert, es braucht keine externe “Hand Gottes”, die ihn herbeiführt. Daraus folgt, “that a hard reboot will erase everything stored in RAM while a soft reboot will not”. Man ersetze “RAM” durch “Continuity”. (Geläufig scheinen auch die Begriffe “Cold Reboot” und “Warm Reboot” zu sein)

J. J. Abrams und die Gefahr des Simulacrums

Irgendwie ist, seit “TMZ” Bilder vom Set von Star Wars: Episode VII geleakt hat, die Geek-Welt ein bisschen hoffnungsvoller geworden. Da steht ein Millennium Falcon rum (was eigentlich gar nicht verwunderlich ist) und überhaupt dominiert der Eindruck, dass J. J. Abrams und sein Team sich sehr bemühen, den Geist der Originaltrilogie einzufangen. Nicht zuletzt, weil sie viel auf praktische Effekte setzen, wie man auch in dem Charity-Video sehen konnte, das Abrams offiziell vom Set geschickt hat.

Findige Spezialisten haben festgestellt, dass einige der Setbauten auf den geleakten Fotos verdächtig nach alten Design-Entwürfen des 2012 gestorbenen Production Artists Ralph McQuarrie aussehen. Okay, könnte man meinen, Abrams gibt sich also wirklich Mühe, den Geist von 1977 (oder 1980) herbeizurufen. Das passt zu vorausgehenden Entscheidungen: Das Ersetzen von Drehbuchautor Michael Arndt durch Lawrence Kasdan (der Empire und Jedi mitgeschrieben hat) und das gerüchteweise herumgerissene Drehbuch, in dem Luke, Leia und Han nunmehr nicht nur einen Gastauftritt haben sollen, sondern eine tragende Rolle. Mit anderen Worten: Star Wars VII wird so “Original”, das glaubt ihr gar nicht.

Zwei Vergleichsfilme

Das ist insofern interessant, als das man zwei vorhergehende Filme Abrams’ als Vergleich heranziehen kann. In Star Trek sah sich der Bad-Robot-Chef einer ähnlichen Situation wie jetzt gegenüber: Er sollte eine schlummernde Filmmarke wieder zum Leben erwecken. Abrams entschied sich für einen genialen Taschenspielertrick: Er rebootete die bekannte Erzählung, ohne die Kontinuität der alten dadurch aufzuheben. Dazu brauchte er Wurmlöcher, Leonard Nimoy und eine Menge zugedrückter Augen, aber es klappte. Am Ende hatte er mit Star Trek einen Film erschaffen, der sich frisch und neu anfühlte, ohne die Original-Filme und -Serien zu verwässern. (Als Negativ-Gegenbeispiel vergleiche man die Wucht der Star Wars Prequels).

Der zweite Vergleichsfilm ist Super 8 – Abrams’ Hommage an die Filme von Steven Spielbergs Firma Amblin in den 80ern, wie E.T. und The Goonies. Wie Abrams in Interviews immer wieder betonte war Super 8 als eine Art direkte Emulation des Amblin-Geistes zu verstehen und deswegen hatte er auch alle Zutaten: Er spielte in den 80ern, mit Schulkindern, die BMX-Fahrräder fahren und auf ein Monster treffen, dass sich als gar nicht so monströs entpuppt. Dazu natürlich Lens Flares und jede Menge “Spielberg Faces”.

Viele Kritiker waren sich nach Super 8 einig: Der Film ist nicht schlecht, aber er probiert ein bisschen zu sehr, ein Amblin-Film zu sein – und wirkt dadurch irgendwie hohl, wie ein perfekter Golem ohne Innenleben. Es reicht eben nicht, alles genauso zu machen, wie das große Vorbild. Wirklich großen Filmen liegt ein Funke inne, der sie einzigartig macht – die besondere Seele des Regisseurs und die daraus erwachsene Vision. Star Trek – man kann von ihm halten, was man will – hatte das.

Running the Asylum

J. J. Abrams befindet sich in der Situation vieler heutiger Filmemacher, die das Wiki “TV Tropes” “Running the Asylum” nennt. Die Fans übernehmen bei ihrem ehemaligen Fandom plötzlich selbst die Leitung, als würden die Irren anfangen, das Irrenhaus zu leiten. “Any sufficiently advanced franchise is indistinguishable from fan fiction”, lautet der zusammenfassende Satz. Daraus folgt aber, dass hier plötzlich eine Fan Fiction entsteht, die auf keinen zu verehrenden Text mehr verweist, sondern selbst Text ist. Jean Baudrillard nannte ein solches “Zeichen ohne Bezeichnetes” ein Simulacrum. Und diese Gefahr sehe ich auch bei Star Wars.

Abrams hat oft darüber gesprochen, wo seine Allianzen liegen. Dass er Star Wars liebt und Star Trek nur respektiert. Dass er vor allem deswegen Interesse an Star Trek hatte, weil es halt das “next best thing” nach dem tot geglaubten Star Wars war. Dass er Star Trek “ein bisschen mehr wie Star Wars” wirken lassen wollte. Jetzt hat er seinen Wunsch bekommen – er darf endlich Star Wars machen. Als die Entscheidung damals fiel, kommentierte Trek-Fan Jordan Hoffman pointiert: “I feel like J.J. Abrams took me out to the prom but left with the hotter girl.”

Ganz sicher

Und jetzt scheint es so, als wolle J. J. Abrams dem heißen Mädel auch ganz doll beweisen, dass er seiner würdig ist, damit es mit ihm schläft. Dass er genau wie George Lucas sein kann, nur ohne die infantilen und sonstigen problematischen Neigungen, die seit Jedi die Serie geplagt haben. Er will ganz sicher gehen, dass er alles richtig macht – ein bisschen wie Bill Murray in Groundhog Day, als er versucht den perfekten Tag zu konstruieren. Wir wissen: darin liegt nicht die Lösung – am nächsten Morgen singt Cher immer noch “I got you, Babe.”

Wahrscheinlich unterschätze ich Abrams. Er wird um die Gefahren der Total-Emulation bis zum Simulacrum wissen. Ein Freund wies mich auf Facebook darauf hin, dass etwa McQuarries Entwürfe in der Vergangenheit auch in anderen Ecken des Star Wars-Universums wertvolle Stützen für tolle Geschichten waren. Vielleicht wird Episode VII ein Lieblingssessel, nicht originell, aber angenehm durch seine Vertrautheit. Aber Vorsicht ist geboten. Bryan Singer kann nach Superman Returns ein Lied davon singen, was die Folge ist, wenn man sich zu sehr bemüht, an Vergangenes anzuknüpfen. In X-Men: Days of Future Past hat er bewiesen, dass er aus der Erfahrung gelernt hat und dass es wichtiger ist, sich “gefühlt” mit dem Vorhergegangenen in einer Linie zu bewegen. Vielleicht hat Abrams auch aus Super 8 gelernt. Wollen wir es hoffen.

Bild: Joi, CC-BY 2.5

A Brave New Galaxy – Ein Gespräch zum Ende des Star Wars Expanded Universe

Als ich las, dass sich Disney/Lucasfilm vom Star Wars Expanded Universe verabschieden werden, war mir klar, dass es eine Person gibt, mit der ich darüber ausführlich reden sollte. Kurze Zeit später standen Sascha von Pew Pew Pew und ich uns auch schon im Instant Messenger gegenüber. Ein Gespräch über enttäuschte Hoffnungen, faszinierende Kanonisierungen und erwartungsvolle Zukunftsblicke.

Alex: Lass mich mal kurz zusammenfassen, was bisher geschah. Eigentlich schon mit Beginn der Star Wars-Filme, aber spätestens nach Return of the Jedi beginnen verschiedene Autoren, das Star Wars-Universum mit weiteren Geschichten zu füllen – in Büchern, Comics und Videospielen. Die Krux dabei ist, dass sie nicht nur Geschichten erzählen, die die Filme nicht tangieren, sondern durchaus auch mit den Charakteren aus den Filmen arbeiten, beispielsweise schreiben die “Thrawn”-Trilogie von Timothy Zahn und viele andere Bücher die Geschichte nach “Jedi” fort, schaffen gewissermaßen ihre eigenen Episoden 7 bis 9 und darüber hinaus. Lucas und Lucasfilm verdienen gut daran, mahnen aber auch immer, dass das “Expanded Universe”, wie es bald heißt, nicht kanonisch ist, sondern dass nur die Filme Evangelium sind. Als Lucas beginnt, mit den Prequels und Clone Wars selbst neue kanonische Geschichten im Star Wars Universum zu erzählen, übernimmt er manche Teile des Expanded Universe (zum Beispiel den Charakter Aayla Secura oder Kashyyyk, den Wookieplaneten) in seinen Kanon, andere nicht. Und jetzt, wenn J. J. Abrams und seine Leute selbst die Geschichte nach Jedi fortschreiben wollen, stehen sie natürlich vor dem Problem, dass sie überlegen müssen, inwieweit sie das Expanded Universe einbeziehen. Wofür haben sie sich entschieden?

Sascha: Abrams, Kasdan und die neu etablierte Lucasfilm Story Group, die in Zukunft die Kontinuität der neuen Filme und Geschichten überwachen werden, haben sich für einen reinen Tisch entschieden. 31 Jahre nach dem Release von Episode VI sind die Schauspieler nicht mehr in der Lage ihr Alter zu verbergen, weshalb die Filme, sofern sie Luke, Leia und Han involvieren sollten, den Sprung 30 Jahre in die Zukunft nach Return of the Jedi wagen müssen. Gleichzeitig wurde die Rückkehr von Peter Mayhew bereits vor der dieswöchigen, offiziellen Pressemitteilung bestätigt. Wer im Expanded Universe also etwas bewandert ist und eins und eins zusammenzählen kann, der wusste es spätestens dann; Lucasfilm lieferte dennoch offiziell Stellung vor dem Casting Announcement: Das Expanded Universe ist tot. Es spielt keine Rolle mehr bei der Kreation dieser neuen Filmtrilogie. Die alten Geschichten sollen dennoch weiter zugänglich bleiben, sie werden lediglich unter dem “Legends”-Banner veröffentlicht, um das alternative Universum kenntlicher zu machen. Dennoch ist selbst diese Ankündigung in ihrer Bedeutung für das gesamte Expanded Universe etwas schwammig. Man spricht hier davon, dass die neuen Filme, die nach Jedi spielen, “nicht die gleichen Geschichten erzählen werden”.

Das Expanded Universe ist jedoch wesentlich größer und älter als viele Unwissende glauben. Es besteht nicht nur aus der Weiterführung der Biographien der “großen Drei”, sondern erzählt selbstständige Geschichten, die bis 35.000 vor die Schlacht um Yavin zurückreichen. Als Fan dieser Galaxis und all ihren Geschichten könnte ich mir jetzt Hoffnung machen und den Reboot lediglich auf die Zeit nach der alten Trilogie verorten, aber die Etablierung eines neuen Teams, der Pressemitteilung inklusive dem Video klingt für mich nach einem gesamten Neustart. Michael Arndts ursprünglicher Drehbuchentwurf soll angeblich einen größeren Fokus auf die Solo/Skywalker-Kinder gerichtet haben, ähnlich wie die späteren Bücher, aber von ihm ist in der Pressemitteilung nicht einmal mehr die Rede und die nun vorgestellten Schauspieler passen mit ganz wenigen Ausnahmen und einem zugedrückten Auge auch nur so halb zu existierenden Charakteren. Also werden wohl auch die EU-Fans im Kino überrascht werden. It’s a brave new galaxy.

Alex: Meinst du, der Grund dahinter ist, dass die Filmemacher sich so fühlten, als wären sie schon zu festgelegt durch das, was unzählige Autoren vor ihnen geschrieben haben? Ich kann mir vorstellen, dass es sehr schwer gewesen wäre, sozusagen erzählerische “weiße Flecken” zu finden, in denen man noch Geschichten hätte spinnen können, die zugleich konsistent und überraschend gewesen wären. Zumindest wenn die Episoden-Filme irgendwie an das Vorhergehende anknüpfen sollen.

Sascha: So ist es, zweifellos. Es ist ja nicht nur so, dass man diese “weißen Flecken” in den ohnehin vollen Biographien der Figuren erst mal finden müsste, sondern sich auch die galaktischen Hintergründe vor Augen führen muss. Das EU besteht ja nicht nur aus weiteren Abenteuern mit Luke, Leia und Co., sondern aus ähnlich großen Events wie dem galaktischen Bürgerkrieg, der im Großen und Ganzen nur zu einer weiteren Phase in der Historie dieser turbulenten Galaxie verblasst. 30 Jahre nach den alten Filmen wäre gerade kurz nach der Invasion der Yuuzhan Vong, einer extragalaktischen, technophoben Rasse auf Kreuzzug, die nicht in der Macht zu spüren sind und durch ihre biologischen Raumschiffe, Waffen und Terraformingmaschinen das Antlitz der Galaxie für immer verändert haben. Weiterhin starben mehrere bekannte Figuren, am prominentesten war wohl der Abgang von Chewbacca zum Beginn dieser Invasion, was jedoch von Lucas selbst so beordert und abgesegnet wurde. Diese Vorgänge zu adaptieren, wäre schwierig; neue Geschichte in diesem Universum dann mit gewisser narrativer Freiheit zu konzipieren, wird aber zur Unmöglichkeit. Das notwendige Maß an Exposition und Hintergrundinformationen, die der normale Zuschauer benötigen würde, brächten den eigentlichen Plot, der mit seiner leichtfüßigen und traditionsreichen (Stichwort: Campbell) Abhandlung die Massen begeisterte, zum Halt. Dann doch lieber alles auf Null, das EU als alternatives EU branden und mit einer neuen Timeline und Figuren eine originelle Geschichte erzählen.

Alex: Das Krasse (und für mich interessante) ist halt, dass wir es hier nicht nur mit einem konzeptionellen Reboot zu tun haben, wo die Geschichte einer bekannten Figur beendet und neu begonnen wird, wie wir es aus Superhelden-Comics kennen oder aus den letzten Jahren aus Filmserien wie James Bond oder Star Trek – also eine Neu-Erzählung einer bekannten Legende, angepasst an die heutige Zeit. Sondern dass hier eine merkwürdige Kanon-Verschiebung vorgenommen wird. Ein großer Schatz an Geschichten, Figuren und Historie, der zwar offiziell nie als voll kanonisch galten, aber doch von allen irgendwie als “wahr” oder zumindest doch als lieb und teuer wahrgenommen wurden, wird mit einem Schlag zur Apokryphe erklärt und vom Tisch abgeräumt. Ich kann mir vorstellen, dass das für die Fans nicht gerade einfach ist, die jetzt seit dreißig Jahren mit dem Expanded Universe leben.

Sascha: Ja, in der Tat. Ich muss dir auch ganz ehrlich sagen, dass ich froh darüber bin, dass wir dieses Gespräch erst jetzt, ein paar Tage nach der Ankündigung führen. Bei Star Wars schalten sich die rationale Gedanken bei mir in den ersten zehn Minuten nach einer Meldung ab. Ein bisschen hilft aber auch der großartige Cast für den neuen Film, diese Wunden zu besänftigen, aber es tut schon weh, dass jetzt plötzlich alles keine Rolle mehr spielt. Gut, das tat es vorher auch nicht – zumindest, wie du sagst, nicht offiziell. Aber es so auszudrücken wird der über die letzten 20 Jahre existierenden und funktionierenden Infrastruktur auch nicht gerecht. Auch wenn George Lucas’ Kanon, also die Filme und zwei Serien (Clone Wars und jetzt bald Rebels) stets als offiziell galten, gab es ein Ranking unterschiedlicher Ebenen des Erzählens.

Ähnlich wie im Marvel Cinematic Universe wird jetzt nicht jede Kleinigkeit von Agents of SHIELD in den Filmen aufgefangen, die als meistgesehenes Medium immer wieder höchste Priorität genießen, aber es wird sich um die internarrative Kontinuität bemüht. Ganz ähnlich verhielt sich das für Lucasfilm, das EU und die Holocron Database, die um 2000 ins Leben gerufen wurde, um Ordnung zu wahren und die unterschiedlichen Verläge, Autoren und Geschichten in Einklang zu halten. Es gibt mehrfache Überschneidungen, Retcons und Beispiele, wie Lucas sich vom EU inspirieren ließ und wie er wiederum Entscheidungen für das EU direkt traf. Er deutete zwar immer darauf hin, dass es sich um zwei abgegrenzte Universen handelte, aber in Wirklichkeit ergaben diese auf einem narrativen Level absoluten Sinn ohne Widerspruch.

Und das war immer das Schöne an der Star Wars-Galaxie. Wenn man lediglich die Filme genießen wollte, diese eine Geschichte, dann konnte man dies tun. Aber wer die Augen aufmacht, merkt schnell, dass Lucas – und das war ein großer Teil seines Erfolges – ein Universum erschuf, das entgegen vieler Konkurrenten schmutzig, abgenutzt und in sich stimmig war. Dort haben Menschen und Aliens gelebt, und das seit Jahrtausenden. Sie haben Geschichten, Ereignisse und mythologiches Potential für die Gesamtunternehmung. So wichtig Anakin Skywalker und seine Familie für den Untergang der Republik, als auch später des Imperiums, gewesen sein mag, davor und danach gibt es auf dem Zeitstrahl viele “weiße Flecken”.

Das war auch der ursprüngliche Reiz des ersten Star Wars MMORPGs, “Star Wars Galaxies”. Der Spieler konnte normale Berufe erlernen, Gilden gründen, Rohstoffe abbauen, Handel betreiben, eine Stadt gründen, ein Haus bauen und einrichten, Tiere dressieren, Planeten erkunden — und, und, und. Wer sich für das EU und die Galaxie an sich interessierte, lebte einen Traum. Ich persönlich schrieb, inspiriert von vielen Jugendbüchern (damals “Jedi Academy”) an einer Figur, die auf Alderaan aufwuchs und später der Rebellion beitrat. In “Star Wars Galaxies” wurde sie zum Leben erweckt. Erst wesentlich später konnten einige Auserwählte Jedi werden, sodass diese Spieler zu lebenden In-Game-Einhörnern wurden. Nach den “New Game Enhancements” gab es drastige Kürzungen bei den Berufen. Plötzlich gab es nur noch neun statt wie vorher dreißig – und man konnte auch von Anfang an Jedi werden, was zu einem stetigen Anstieg der frei herumlaufenden Jedi/Sith-Bevölkerung führte und schlussendlich den Kanon dieser Zeit (Ein Jahr nach der Schlacht um Yavin) verletzte. Was die Entwickler damals, in der Hoffnung neue Spieler ans Land zu ziehen, taten, widersprach jedoch dem Wunsch vieler Spieler, einfach nur ein normales Leben in ihrer Lieblingsgalaxie als Rebell, Farmer oder Stormtrooper zu führen. Natürlich sind die großen ikonischen Merkmale von Star Wars über die Sith, Jedi und ihre Untertanen und Werkzeuge definiert, aber der wirkliche Reiz des Expanded Universes war für viele Fans, dass man abseits dieser modernen Mythen alltägliche Helden als auch eine glaubhafte Welt wiederfand.

Alex: Für mich ist deine Geschichte jedenfalls ein Beweis dafür, dass genau dieses lückenlose Ineiandergreifen von verschiedeneren Erzählformen – egal ob mit Hierarchie oder nicht – einer der Reize ist, die von modernen Erzählkosmen ausgehen. Und wenn, wie jetzt, eine “Executive Decision” fällt, die ein so vielfältig ausgestaltetes Universum zersplittert (Mark J. P. Wolf, der Autor von “Building Imaginary Worlds” würde von einem hohen Grad an “Completeness” und “Saturation” sprechen), dann nimmt man Fans natürlich auch einen der Reize, sich darin zu Hause zu fühlen. Stattdessen steigt das Gefühl, dass man eben doch nur als Konsumvieh missbraucht wird.

Nun ist ja zum Glück anscheinend noch nicht alle Hoffnung für das Expanded Universe verloren. Autor Timothy Zahn, von dessen “Thrawn Trilogy”ich immerhin auch den ersten Band gelesen habe (neben Videospielen meine bisher einzige Berührung mit dem EU) hat ja geschrieben, dass er glaubt, dass selbst unter der neuen Ägide das EU weiterleben kann und wird, solange die neuen Filme ihm nicht regelmäßig und auf breiter Front widersprechen.

[W]e authors are masters of spackle, back-fill, and hand-waving. For example, if Ghent appears in the movies but never mentions Thrawn, I can argue that he simply doesn’t want to talk about that era, or else has completely forgotten about it.

Wie siehst du den Ausblick für die Zukunft?

Sascha Dazu müsste Thrawn erst einmal in der Welt von Abrams und Kasdan existieren. Wie gesagt, ich bin inzwischen relativ offen und fröhlich eingestimmt, aber um ganz ehrlich zu sein befand ich mich vor rund zwei Jahren wirklich im Frieden mit meinem Fandom. Star Wars ist so ein enorm wichtiger Teil im Leben von so vielen Leuten, teilweise hat er sie auch dazu inspiriert selbst schöpferisch im Bereich von Film und Fernsehen zu werden, dass ich es immer bedauerte, dass die Prequels diesen Mythos so verwässert haben. Natürlich kann man das auch auf die EU-Romane, Comics und Spiele beziehen, aber die waren optional.

Abrams wird mit Sicherheit einen besseren Job machen, als Lucas das mit den Prequels gelang, aber grundlegend wird an diesem Mythos doch irgendwo gerüttelt. Am liebsten war mir da der Status Quo von vor zwei Jahren, bei dem Hardcorefans weiter gefüttert wurden, und die Filme an sich unangetastet blieben. Jetzt verändert sich alles und wir haben keinerlei Informationen, wie sich das alles auf dieses neue EU auswirkt. Ein Indikator für die Zukunft könnte jedoch die neue Pressemittelung über vier bald erscheinende Romane sein, die allesamt von Stammautoren des früheren EU verfasst werden. Überraschen tun diese Veröffentlichungen mich also weder vom Autor, dem Cover oder dem Inhalt, da alles nach erwartbaren Geschichten aus dem EU klingt. Gleichzeitig behält auch Dark Horse weiterhin die Comic-Lizenz und wird seine Geschichten 130 Jahre nach bzw. 25.000 Jahre vor den Filmen veröffentlichen.

So einschneidend die Entscheidung auf den ersten Blick also auch ausgesehen haben mag, es bleibt ziemlich Vieles vorerst beim Alten – zumindest für die Zeit vor der alten Trilogie. Die Hoffnung von Zahn teile ich jedoch nicht. Ich denke nicht, dass Abrams oder Kasdan große Kenntnisse besitzen, noch Respekt gegenüber dem EU hegen und eine komplett neue Geschichte erzählen werden. Die werden eine Punkt weit in der Zukunft beackern und es den EU-Autoren überlassen, die weißen Flecke in der Timeline zu füllen. Hoffentlich mit komplett neuen Figuren und Abenteuern ohne verfälschte Quasi-Adaptionen. Daher wünsche ich mir für die Zukunft, dass zum Beispiel die Tochter von Han und Leia (höchstwahrscheinlich gespielt von Daisy Ridley) nicht Jaina heißen wird, nur weil es im EU so mal war. Dann soll das bitte ein eigenständiger Charakter werden. Ähnlich sehe ich das mit allen anderen Referenzen. Auf zu neuen Fronten – so schmerzhaft das auch ist.

Zum gleichen Gespräch auf “Pew Pew Pew”

Film Blog Adventskalender – 24 – Denis Krick

Ach, was habe ich mich damals gefreut: Als bekannt wurde, dass neue Filme der Krieg der Sterne-Reihe produziert werden sollten, bin ich quasi durchgedreht. Und dann kam The Phantom Menace in die Kinos und ich wollte daraufhin George Lucas stundenlang ohrfeigen, vierteilen, teeren, federn, enteignen und dem mächtigen Sarlacc zum Fraß vorwerfen. Das Prequel war einfach grandiose Scheiße – und die folgenden zwei Streifen gerieten auch nicht viel besser.

Die Enttäuschung war auch deshalb so groß, weil ich kurz zuvor die Thrawn-Trilogie von Timothy Zahn gelesen hatte. In den drei Bänden wird space-opera-episch erzählt wie es Luke, Han, Leia und Co. fünf Jahre nach “Die Rückkehr der Jedi-Ritter” geht. Es gibt klasse Bösewichte, schicke Plot-Twists, Wiedersehen mit bekannten Figuren und jede Menge neue Charaktere. Das Imperium macht auf Guerilla-Krieg und die Rebellion leidet unter politischen Machtspielen.

Und das hätte ich gerne als Film gesehen – stattdessen kam Jar Jar Binks.

Allen Menschen mit “Phantom”-Schmerzen seien deshalb die drei Bücher “Erben des Imperiums”, “Die dunkle Seite der Macht” und “Das letzte Kommando” von Timothy Zahn als Weihnachtsgeschenk empfohlen. Noch schöner ist das ganze Paket als Audiobook im englischen Original – da sind nämlich noch Wookiegebrüll und Tie-Fighter-Geheule inklusive.

Ein zweiter Geschenktipp für alle Leidensgenossen ist der Film Fanboys. In dem Film wollen vier Star Wars-Nerds in die Ranch von George Lucas einbrechen, um The Phantom Menace vor dem offiziellen Kinostart zu sehen, denn einer der Freunde ist sterbenskrank und wird es bis zum eigentlichen Premierendatum nicht mehr schaffen.

Unglaubliche Gastauftritte und die größte anzunehmende Schlusspointe sind die Folge. Dieser Film gehört einfach unter jedem Tannenbaum mit Repulsorliftantrieb. Möge die Macht mit euch sein. Immer. Auch an Weihnachten.

Und nächstes Jahr sprechen wir dann in dieser Selbsthilfegruppe über Indiana Jones und das Königreich des Kristallschädels.

(Denis Krick)