REAL VIRTUALITY

Was tun mit KI?

Diesen Text trage ich schon seit Monaten mit mir herum, aber irgendwie habe ich es nie hinbekommen, mich einfach mal hinzusetzen und ihn zu schreiben. Da das Thema aber gerade diese Woche wieder einmal sehr deutlich an die Oberfläche geblubbert ist, muss es jetzt sein. Es geht darum, wie ich mich zu Generativer KI verhalte. Wie immer geschrieben in dem Verständnis, dass auch ein subjektives Urteil einen Wert im allgemeinen Diskurs haben kann.

Ich stehe in dieser ganzen Angelegenheit in einem gewissen Zwiespalt. Auf der einen Seite hat mich generative KI sofort begeistert. Sie zum ersten Mal zu nutzen enthielt genau das Versprechen von Futurität, das sich geil anfühlte. Ich habe 2023 sogar spekuliert, dass sie uns aus dem Gefühl der Hyperstasis losrütteln könnte (bisher nicht passiert). Nach einem guten halben Jahr Nutzung fühlte es sich sogar im Mai 2023 noch immer so an, als erlaube Generative KI die Zusammenarbeit mit einem “Fremden Anderen”, das einen auf Pfade führt, die man alleine nie gefunden hätte.

Damals und heute

Das alles war natürlich noch recht früh im Lebens- bzw. Produktzyklus der Technologie. Vor drei Jahren wurde man weder an jeder Ecke mit KI-Funktionen zugeschissen, noch hatte sich das Silicon Valley geschlossen hinter einem faschistischen Despoten versammelt. Ich muss aber zugeben: Meine grundsätzliche Faszination für KI ist ungebrochen und ich halte sie nach wie vor für die größte technologische Revolution seit dem Internet. Etwas also, aus dem man sich nicht raushalten kann, weil es irgendwann selbstverständlich ein Teil vieler Aspekte unseres Alltags sein wird.

Auf der anderen Seite bewege ich mich in einer (Online-)Gemeinschaft von (tendenziell linken) Denker:innen und Kreativen, in deren Statements und Handlungen der KI-Backlash in vollem Gange ist. Ich schätze diese Personen und mag sie zum Teil auch persönlich. Daher fühle ich mich innerlich getrieben, ihre Ablehnung zumindest ernst zu nehmen und meine Haltung zu reflektieren. Dieser Text ist ein Versuch, das zu tun.

Scheinargumente

Zum Anfang möchte ich sagen, dass ich viele Argumente, die gerne gegen die Nutzung von generativer KI vorgebracht werden, für Scheinargumente halte. Sie werden ins Feld geführt, um ein grundsätzliches persönliches Unbehagen rechtfertigend zu unterfüttern. Mit anderen Worten: Ich glaube, dass die meisten Menschen, die sich gegen KI – insbesondere im Bezug auf Kunst und Kreativität – aussprechen, dies auch tun würden, wenn die dafür benötigten Datencenter ausschließlich mit erneuerbaren Energien betrieben und alle KI-Firmen von paritätisch besetzten, ideologisch einwandfreien Vorständen geführt würden. (Unter anderem, weil sie ähnliche Voraussetzungen bei älteren, etablierten Technologien akzeptieren.)

Der Diebstahl (vielleicht) von geistigem Eigentum, das zum Trainieren der Modelle verwendet wird, ist meiner Ansicht nach vor allem ein juristisches Problem, das hoffentlich auch auf diesem Weg gelöst werden wird. Ich vermute, dass es sich vorausgehenden Debatten von Kopiermedien anschließen wird. Ich habe eine legendär schlechte Quote beim Vorhersagen kultureller Zukünfte, aber in diesem Fall bin ich mir sehr sicher, dass wir zumindest in Deutschland irgendwann eine Art Verwertungsgesellschaft bekommen werden, die Urheber:innen einmalig oder fortdauernd für die Verwendung ihrer Werke in KI-Modellen entlohnen wird. Allerdings bin ich mir genauso sicher, dass das Geld, das dabei ausgeschüttet wird, nicht dem entsprechen wird, von dem Urheber:innen glauben, dass sie es verdienen.

Tiefe Angst

Denn die persönliche Angst vor Job- und/oder Bedeutungsverlust in der sich zuziehenden Schlinge des Hyperkapitalismus geht tiefer als jede Kompensation. Es ist eine riesige Kränkung, dass die neueste Automatisierungswelle diesmal zum Teil auch die Menschen betrifft, die sich gerade durch die künstlerische Qualität ihrer Arbeit immer für un-automatisierbar gehalten und dafür oft ohnehin schon ein prekäres Leben in Kauf genommen haben. Hier halte ich KI lediglich für ein Symptom und nicht für eine Ursache der Probleme. Entsprechend kann ein Verzicht auf KI-Nutzung von Einzelnen den Zwang für Kreative, sich umzustellen, höchstens hinauszögern.

Ich glaube, dass ich das sagen darf, weil ich als Autor auch von dieser Automatisierung betroffen bin, wenn auch noch nicht so unmittelbar wie Illustrator:innen oder Synchronsprecher:innen. Ich habe deswegen schon lange vor KI aufgegeben, meine Kreativität zum Mittelpunkt meiner Lohnarbeit zu machen (mehr dazu wahrscheinlich im nächsten Post). Aber ich bleibe genauso davon überzeugt, dass menschliche Kreativität und Kunst immer einen gesellschaftlichen Wert haben werden. Es werden immer weniger Menschen von bestimmten kreativen Dienstleistungen leben können. Aber das wird normal werden und das Selbstverständnis der Betroffenen nicht mehr so stark infrage stellen, wie es schon diverse Male zuvor passiert ist – etwa bei Porträtmaler:innen nach Erfindung der Fotografie. Es mag naiv klingen, aber ich glaube daran. Kunst und Kreativität sind und bleiben gleichzeitig das Wichtigste und das Unwichtigste auf der Welt – und diesen scheinbaren Widerspruch gilt es auszuhalten.

Wir hatten uns doch gerade erst ans Internet gewöhnt

Ein weiterer Grund für eine Anti-KI-Haltung ist meiner Ansicht nach eine prinzipielle Nervosität darüber, dass die gewohnte Ordnung der Dinge erneut zerstört wird, nachdem man sich gerade erst an die letzte Disruption durch Digitalisierung gewöhnt hat. Hier brechen sich dann alle typisch kulturpessimistischen Ängste Bahn, die Kathrin Passig einst in ihren “Standardsituationen der Technologiekritik” beschrieben hat. Wir brauchen es nicht, es ging doch vorher auch; wir werden alle krank und dümmer; wenn wir es nutzen, beschleunigen wir nur den Untergang der Zivilisation.

Die Ironie liegt für mich darin, dass genau diese Argumente teilweise von Menschen vorgetragen werden, die von der letzten technologischen Revolution noch enorm profitiert haben. Wahrscheinlich, weil sie damals noch (jung und) flexibel genug waren, um sich an die neuen Gegebenheiten anzupassen.

Gras berühren

Die populärste Variante der in dieser Kulturkampf-Arena vorgebrachten Argumente ist, einfach gesagt, “Der Weg ist das Ziel, Dummie”. Sie findet sich beispielsweise in einem sehr populären Vortrag von Brandon Sanderson, als auch in einem Essay von Rebecca Solnit aus der vergangenen Woche und richtet sich gegen das Versprechen von generativer KI, Kreativität und Kunst auf Knopfdruck zu erzeugen. Ihr habt es nicht kapiert, sagen die Gegner. Ausprobieren, scheitern, lernen, wachsen, Erfahrungen sammeln, Gefühle fühlen und verarbeiten, Gras berühren – das alles sind essenzielle Teile des kreativen Prozesses und des Menschseins, die sich nicht wegrationalisieren lassen.

Damit haben sie natürlich recht. Aber sie diskutieren meiner Meinung nach auch mit dem falschen imaginären Gegenüber. Nur weil einige Tech-Bosse und die dümmsten ihrer Fans die Botschaft verbreiten, dass KI menschliche Kreativität und Verbindung größtenteils ersetzen wird, heißt das noch lange nicht, dass die Mehrheit aller Menschen das auch so empfindet. Wer davon ausgeht, dass Menschen immer und überall den einfachsten, kürzesten und im Zweifelsfall unmenschlichsten Weg nehmen werden, sagt damit mehr über sich selbst aus, als über die Gesellschaft. Allen kurzfristigen Trends wie Self-Checkout-Kiosks zum Trotz. (Noch eine naive Meinung, vielleicht. Hier kommt mir leider immer mein positives Menschenbild in die Quere.)

Eine lange Aufzählung von “Selbstverständlichs”

Ich möchte damit auf gar keinen Fall sagen, dass es nichts an generativer KI zu kritisieren gibt. Selbstverständlich haben die Trainingsdaten und die LLMs, die sie nutzen, systematische Biases, die es zu beachten gilt. Selbstverständlich sollte man Informationen, die ein LLM ausspuckt, nicht blind vertrauen. Selbstverständlich sollten wir darauf hinarbeiten, den Energieverbrauch von Datenzentren zu reduzieren oder nachhaltig zu machen. Selbstverständlich sollten wir auf eine offene Architektur von LLMs drängen, sie möglichst frei verfügbar machen und die dahinter stehenden Firmen so stark regulieren wie wir können. Und selbstverständlich gibt es wie immer kein richtiges Leben im falschen und das Medium ist die Botschaft und wir sollten immer wachsam sein, dass wir uns von unserer Technologie nicht diktieren lassen, wie wir unser Zusammenleben gestalten wollen.

Aber das sind gesellschaftliche Aushandlungsprozesse, die meine Faszination für die Technologie nicht eindämmen oder mich davon abhalten, sie überhaupt nutzen zu wollen. Sie bestimmen höchstens, wie ich sie nutzen will. Ich habe mir daher schon vor einiger Zeit einen persönlichen KI-Knigge zurechtgelegt, den ich im Folgenden kurz schildern will. Die Tendenz, auf Umgangsregeln und Reflexion statt auf Verbote zu setzen, sehe ich immer wieder, etwa im Buch von Gregor Schmalzried oder erst diese Woche beim Social Media Watchblog. Wie immer bin ich froh, dass ich nicht allein bin.

Wie, also, nutze ich KI?

Als Suchmaschinenersatz. Ich betrachte LLMs im Wesentlichen als ein großes Repositorium von Wissen, aufgelöst in wahrscheinliche Zeichenketten, zugänglich durch ein Interface, das natürliche Sprache benutzt. Und damit sind sie in ihrer Basisfunktion eine Suchmaschine mit besserer Usability und ich benutze sie bevorzugt, wenn ich Dinge herausfinden will, bei denen ich nicht genau wüsste, was ich googeln müsste, oder weiß, dass ich mehrere aufeinander aufbauende Suchen bräuchte, um meine Antwort zu finden. Grundsätzlich gilt für mich: Je mehr Variablen meine Anfrage an das Wissen der Welt hat, desto wahrscheinlicher nutze ich ein LLM. Wenn das Ergebnis wichtig ist – aus welchem Grund auch immer – lasse ich mir Quellen dazu ausgeben und überprüfe es anhand dieser Quellen (überhaupt der beste Zusatz zu jedem Prompt).

Als Resonanzraum. Das ist vermutlich die Art Nutzung, bei der Kulturpessimist:innen sofort die Augenbrauen hochziehen würden. Wäre es nicht besser, über seine Ideen und Gedanken mit echten Menschen zu sprechen? Ja, aber nicht immer habe ich echte Menschen zur Hand, und nicht immer kenne ich Menschen, die sich mit dem Thema auskennen, zu dem ich eine Rückmeldung brauche. Könnte ich Primärquellen lesen? Ja. Aber manchmal gibt es Themen, die mir (noch) nicht wichtig genug sind, um viel Zeit darin zu versenken. Und sollte ich feststellen, dass sie mir wichtiger sind, als ich dachte, kann ich die Primärquellen immer noch lesen. Genau wie ich einige Bands durch ihre Greatest-Hits-Alben kennengelernt und erst später ihre komplette Diskografie gehört habe. LLMs haben den Vorteil, dass man ihnen sehr lange Gedankenflüsse entgegenwerfen und am Ende einfach fragen kann: Was haben andere dazu gedacht? Und dass man mehrfach nachfassen und nachsteuern kann, bis man sich dem Gedanken genähert hat, den man sucht.

Als Coach. Einer der größten Erfolge, die ich mit LLMs bisher feiern konnte, ist, dass ich den Spaß am Kochen gefunden habe. Der Schlüssel lag auch hier darin, dass ich dem LLM eine Gleichung mit vielen Variablen übergeben und mich dann mit einigen Iterationen durch das generierte Angebot wurschteln konnte. Kein Kochbuch der Welt hätte so individuell auf meine Bedürfnisse eingehen und meine Schwächen so gezielt ausgleichen können. Eine andere Erfolgsgeschichte war die Erarbeitung eines Live-Rollenspiel-Charakters in einem Setting, mit dem ich nicht vertraut war. Auch hier konnte ich meine Bedürfnisse hineingeben, auf das gesammelte Wissen zum Setting gezielt zugreifen und in einem längeren Dialog am Ende das herausschälen, was ich zum Spielen brauchte. Sicher könnte man argumentieren, dass ich beide Prozesse auch mit echten Menschen hätte durchlaufen können, aber ich hatte einfach nicht den Eindruck, dass ich in diesem Fall mir oder anderen etwas genommen habe.

Als Bildgeber. Dies ist sicher die kontroverseste Nutzung. Aber von dem eben erwähnten Rollenspiel-Charakter, zum Beispiel, habe ich mir auch Bilder generieren lassen, um mich vor dem Spiel besser in die Figur einfühlen zu können. Ich habe auch schon Fantasie-Ideen meines Kindes bebildern lassen, über die sich das Kind sehr gefreut hat (ähnlich wie früher Geschichten). Meine Maßgabe hier ist: Hätte ich ohne KI jemanden damit beauftragt oder es selbst gemacht? Wenn die Antwort eindeutig Nein lautet, bin ich der Meinung, dass ich auch eine KI nutzen kann. KI-Bilder waren immer schon und werden vermutlich auch noch sehr lange ohnehin nur satisficing sein.

Ich habe dennoch aufgehört, KI-generierte Bilder zum Beispiel für die Bebilderung von Blogartikeln oder Social-Media-Posts zu nutzen. Der Grund ist hier aber weniger, dass ich ethisch dagegen bin, als dass ich inzwischen finde, dass es falsche Signale sendet – vor allem, dass es unprofessionell und unreflektiert wirkt, vor allem solange die Rechtslage noch nicht geklärt ist, meiner Ansicht nach übrigens auch bei Werbe- und Designagenturen. Die Zeit, in der die Nutzung von KI an sich einen splashy Neuigkeits-Experiment-Wert hatte, ist vorbei. Also nutze ich weiter Bilder aus kostenlosen Stockphoto-Datenbanken wie Unsplash und zahle dafür auch nichts.

Als Datensortierer. Hier sind LLMs wieder vor allem ein einfaches Interface für etwas, das geübte Menschen zuvor schon ohne LLMs konnten. Aber einen großen Haufen Daten in ein LLM zu werfen und dann in Alltagssprache die Anweisung geben zu können, aus diesen Daten etwas zu machen und zu interpretieren, ist einfach cool.

Als Abkürzung. Gelegentlich finde ich Prozesse, die sich mit KI tatsächlich beschleunigen und vereinfachen lassen. Das Transkribieren von Audio ist sicher das für mich präsenteste Beispiel. Aber bisher habe ich mich noch nicht in einen Effizienz-Strudel ziehen lassen, der ja neuesten Erkenntnissen zufolge auch nicht unbedingt hält, was er verspricht. Wie Dave Karpf es gerade erst mit Blick auf “Vibe Coding” ausgedrückt hat: “I don’t need a digital assistant to prep my course lectures or keep track of my expenses. Maybe that makes me an outlier, but I kind of doubt it? My daily routines are extremely boring-middle-aged-dad-coded.” Ich glaube, dass dies der wichtigste Bereich ist, in den man sich nicht in eine Scheindebatte mit den KI-wird-uns-komplett-überflüssig-machen-deswegen-müssen-wir-selbst-lernen-alles-mit-KI-zu-machen-Leuten verwickeln lassen sollte.

All about satisficing

Ich erlebe es leider immer wieder: KI-generierter Output, egal ob Text, Bild oder Video, ist trotz aller Begeisterung für die Technologie eigentlich nie nutzbar, wenn man professionelle Standards ansetzt. Dieser Output kann daher nur dann ein Endergebnis sein, wenn der eigene Anspruch nicht so hoch ist (siehe oben: satisficing). Wenn der Anspruch professionell wirken soll, kann KI-Output (zum jetzigen Zeitpunkt) eigentlich nur ein Zwischenschritt oder ein Werkzeug sein. Und deswegen gilt es für jede Art von Arbeit, die man sich abnehmen lässt, herauszufinden, ob die KI wirklich Arbeit spart, sie nur verändert oder sogar mehr Arbeit verursacht.

Ich muss immer wieder an ein Gespräch mit einer Freundin denken, die als KI-Trainerin für Menschen in NGOs arbeitet. Als ich ihr erzählte, dass ich eigentlich nie Texte von LLMs schreiben oder redigieren lasse, weil ich bisher immer festgestellt habe, dass ich den Text ohne KI besser und schneller hätte schreiben und redigieren können, wies sie mich darauf hin, dass Schreiben und Redigieren aber auch die Sachen seien, die ich am besten kann. Die Leute, mit denen sie arbeitet, müssen aufgrund der Personaldecke kleiner NGOs häufig ein halbes Dutzend Sachen ein bisschen können, statt ein bis zwei Sachen gut. Und sie sind dankbar, dass ihnen KI dabei hilft, die Lücke zwischen schlechten und passablen Ergebnissen zu schließen.

Lieber gut als KI, aber lieber KI als schlecht

Diese Aussage ist für mich ein großer Schlüssel dafür, wie wir über KI-Einsatz denken können. KI kann uns in Bereichen, in denen wir schlecht sind, okay machen, was oft genug im Alltag reicht. Ich lese auch ungerne KI-generierte Texte, aber ich lese sie (zum Beispiel auf Websites) immer noch lieber als richtig schlechte von Menschen geschriebene Texte. Und ich erlebe immer wieder, wie sehr Menschen von diesem kleinen bisschen Hilfe profitieren.

Sei es, die Angst vorm leeren Blatt zu überwinden, indem die KI wenigstens mal irgendwo anfängt. Sei es die nicht-muttersprachliche Kollegin, die sich traut, mutigere Arbeits-E-Mails zu schreiben, weil ihr KI-Sprachchecker sicherstellt, dass sie nicht nur keine Rechtschreibfehler macht sondern auch keine falschen Idiome benutzt hat. Sei es der Kollege mit Lese-Rechtschreib-Schwäche, der jetzt seine Gedanken in Sprachnachrichten quatscht und sie anschließend von einem LLM in einen ersten Text verwandeln lässt, statt gelähmt vor der Tastatur zu sitzen. Oder sei es ich, der sich traut, zu kochen, weil er niemanden damit nerven muss, wie schlecht er würzen kann. Man kann das als Wunsch nach “Reibungslosigkeit” und Ergebnisse ohne menschliche Komplikationen begreifen – oder als Werkzeug, das uns über kleine Hürden hinweghilft.

Wenn kein passender Mensch zu Hand ist

In Bereichen, in denen wir schon gut bis sehr gut sind, kann die KI uns hingegen bisher nicht das Wasser reichen. Daher ist unsere Expertise immer noch gefragt. Aber sie kann uns als Sparringspartner zur Verfügung stehen, um unsere Expert:innengedanken zu sortieren, zu spiegeln, zu vertiefen, wenn wir gerade keinen passenden Menschen zur Hand haben. Ich halte es für gut möglich, dass das auch so bleibt – allen Versprechungen der Tech-Bosse zum Trotz.

Ich finde das okay. Ich finde es okay, sich von Technologie helfen zu lassen, wobei diese Hilfe für jeden anders aussieht, basierend auf persönlichen Stärken und Schwächen. Ich hoffe, dass die Phase des “Slop” irgendwann vorbeigeht oder zu der Art von Hintergrundrauschen wird, zu der auch andere Automatisierungen (etwa Spam-Mails) geworden sind. Und ich hoffe, dass für Kreative faire Kompensationen (die sich nicht fair anfühlen werden) und neue Perspektiven in der Zukunft liegen. Aber bis dahin werde ich trotzdem nicht aufhören, die Möglichkeiten (und Grenzen) von KI zu erforschen und auszuprobieren.

Foto von Musab Al Rawahi auf Unsplash

Höreindrücke: Shell Game, Die Welt der Klänge, Hörzu und ab geht’s, Die Medienhölle

Shell Game (Staffel 2) (Kaleidoscope/iHeart)

Evan Ratliffs narrativer “Selbstversuche mit KI”-Podcast geht weiter, und auch die zweite Staffel, in der Ratliff ein Unternehmen aus KI-Agenten aufbaut, lohnt sich für sein präzises Nachdenken über die Arbeitswelt und unser merkwürdiges Verhältnis zu menschlich wirkenden Programmen. Die Technik in “Shell Game” ist wahrscheinlich schon teilweise wieder veraltet, aber der Podcast kann auch helfen, auf Phänomene wie “Moltbook” mit kritischen Augen zu blicken. Etwas merkwürdig finde ich nur die Entscheidung, ausführlich die Geschichte einer Praktikantin in Folge 7 zu erzählen, zu der kein Kontakt mehr besteht. Rechtlich vermutlich alles sauber, aber journalistisch auch integer? Was denken die, die es auch schon gehört haben?

Die Welt der Klänge (Uni Mainz)

Hier bin ich alles andere als unparteiisch, da ich mit Produzent und Co-Host Christian Conradi befreundet bin. Aber von allem, was ich bisher gehört habe, finde ich, dass es wirklich ein schönes und lohnenswertes Projekt geworden ist. Von Folge zu Folge werden ganz unterschiedliche Aspekte von Klang aus einer zugänglichen Fachperspektive beleuchtet, und auch wenn immer wieder zu hören ist, dass Co-Host Peter Kiefer kein Sprech-Profi ist, habe ich in jeder Folge etwas gelernt und mich auch einfach immer wieder gefreut, dass das Medium Podcast für diese Art von Wissensvermittlung genutzt wird. Gerade für das Thema “Klang” kann ich mir kein besseres vorstellen.

Hörzu und ab geht’s (Hörzu)

Hier bin ich mir wirklich verschaukelt vorgekommen. Ein Podcast, der verspricht, mir etwas über Reisen zu berühmten Drehorten zu erzählen und dann zu 90 Prozent aus hundertfach ähnlich gehörten fluffigen Lifestyle-Promi-Interviews besteht, mit ein bisschen generischem Reisetipp-Text im Anschluss. Ich bin vermutlich einfach nicht die Zielgruppe, aber: wer ist es dann?

Die Medienhölle (Indie)

Ich habe großen Respekt davor, dass Jörg Wagner nach seinem Ende beim RBB einfach seinen Stiefel auf eigene Faust weiter durchzieht, in gewohnt hoher journalistischer Qualität und mit bemerkenswerten Bonus-Anreicherungen aus dem Archiv. Aber das etwas verbittert-zynische “Alles geht den Bach runter”-Framing, das schon Teile seines Abschieds begleitet hat, und sich hier allein durch den Titel weiterzieht, macht mir auf Dauer schlechte Laune und ich halte es auch nicht für produktiv. Daher wohl eher kein Weiterhör-Kandidat für mich.

Unsortierte Gedanken #7: Hyperinterpretation, Fortsetzungen, James Camerons Epic-Fantasy-Erbe

Das erste Buch, was ich im neuen Jahr gelesen habe, ist Annekathrin Kohouts Hyperreaktiv – Wie in sozialen Medien um Deutungsmacht gekämpft wird, und ich fand es ziemlich gut. Nicht alles, was darinsteht, ist völlig neu oder klar mit Daten belegbar, aber Kohout entwickelt ein Konzept sehr ausführlich, das ich überzeugend fand. Sie nennt es “Hyperinterpretation”.

In einer Social-Media-Welt, die User durch ihre Aufmerksamkeitsmechanismen zum Reagieren auf Ereignisse zu zwingen scheint, ist die Hyperinterpretation eine besonders perfide Art der Reaktion. Sie kapriziert sich strategisch auf einzelne Aspekte von Bildern oder Ereignissen, dekontextualisiert sie und setzt sie in Windeseile in neue Zusammenhänge, garniert mit historischen Referenzen und wissenschaftlich erscheinenden Daten. Dafür sammelt sie Beifall aus der Followerschaft ein, und bald schon hat die hyperinterpretierte Reaktion in Reichweite und Auslegung das Ursprungsereignis überholt.

“Was einst als Ideal der kritischen Medienrezeption galt – die aufmerksame Analyse von Inhalten, das Hinterfragen von Motiven –, hat sich in ein zynisches ‘Alles-Durchschauen’ transformiert. Der kritische Impuls, der im Idealfall auf Emanzipation zielt, wird in der Hyperinterpretation zu einem Instrument der Machtausübung pervertiert.”

Wie Kohout darlegt, wird dieses Mittel sowohl von rechts als auch von links eingesetzt – ihr zufolge mit unterschiedlichen Motivationen (Zynismus und Moralismus). Es ist mir in Internet-Diskursen schon öfter aufgefallen und sauer aufgestoßen. Da ich nicht so viel in rechten Bubbles unterwegs bin, ist es mir stärker von links begegnet, oft in einer Haltung von “Natürlich spricht natürlich wieder niemand darüber, wie PROBLEMATISCH das ist – educate yourself!” Selbst wenn es wahr ist, dass dahinter oft ein echter, moralisch getriebener Aufklärungswille steckt, ist es dennoch eine auf maximale Empörung optimierte Reduzierung.

Kohout beschreibt, dass sich auch Journalist:innen oft in die hyperinterpretative Logik treiben lassen und regt am Ende dazu an, dem Drang zu widerstehen, selbst auf alles reagieren zu müssen. Das kann ich nur unterschreiben.

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Im Dezember habe ich William Gibsons zweite Romantrilogie, die sogenannte “Bridge-Trilogie” (Virtual Light, Idoru, All Tomorrow’s Parties) aus den 1990ern beendet, und ich habe mich gefreut, dass er darin wieder die Sequel-Logik einsetzt, die ich schon an seiner “Sprawl-Trilogie” bewundert habe. Jedes der Bücher steht für sich, auch wenn einzelne Figuren und Hintergrund-Stränge sich hindurchziehen.

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A propos Fortsetzungen: Seit den 2010er Jahren begleite ich hier im Blog die diversen Verrenkungen Hollywoods beim Am-Leben-erhalten erfolgreicher “Intellectual Properties” mit immer neuen Filmen und Serien. Mein Lieblings-Film-YouTuber Patrick Willems hat sich dem Thema in der zweiten Hälfte des vergangenen Jahres ausführlich gewidmet. Warmgelaufen hat er sich mit einem Video zum James-Bond-Franchise im August, aber besonders gut fand ich seine zwei Videos zu “Legacy Sequels” im November und Dezember.

Legacy Sequels – Fortsetzungen, die viele Jahre nach dem Original unter Mitwirkung der gealterten Schauspieler:innen entstehen – folgen einer bestimmten Formel. Sie versuchen, gleichzeitig die Nostalgie der Fans am Ursprungswerk zu bedienen und eine neue Generation an Protagonisten zu etablieren, die das Franchise fortsetzen können. Meistens klappt das nur mittelmäßig.

Willems dröselt in seinen Videos sehr gut auf, wie es überhaupt dazu kam, dass dieses Format so populär wurde, und welche Auswüchse es inzwischen angenommen hat. Dass er T2 Trainspotting als positives Gegenbeispiel nennt, hat mich dann natürlich endgültig überzeugt.

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In der jüngsten Ausgabe des Slate Culture Gabfest debattiert die Kritiker:innen-Crew mal wieder das alte und beliebte Thema, ob die Avatar-Filme von James Cameron einen kulturellen Fußabdruck hinterlassen haben. Die Argumente sind alle nicht neu – die Filme sind visuelle Spektakel, es fehlt ihnen aber an originellen narrativen Ideen und erinnerungswürdigen Charakteren, die sie über den Kinobesuch hinaus relevant erscheinen lassen. Michael Schulman vom New Yorker vergleicht sie mit Planetariums-Shows, was ich einen guten Vergleich finde.

Nachdem ich Fire and Ash, den jüngsten Avatar-Teil gesehen hatte, war mir ein anderer Vergleich in den Kopf geschossen, den ich auch auf Letterboxd festgehalten hatte: Fantasy-Buchzyklen aus den 90er Jahren. Meine erste Referenz ist natürlich Robert Jordans The Wheel of Time, aber ich erinnere mich auch an Tad Williams’ Memory, Sorrow and Thorn und Terry Goodkinds The Sword of Shanarra. Viele habe ich auch nie gelesen, etwa von Robin Hobb oder Kate Elliott (oder auch A Game of Thrones, das 1999 erschien), aber die Art von Buch hat mich geprägt.

Die Merkmale waren immer ähnlich. Die Bücher waren dick (600+ Seiten). Sie standen nie für sich allein. Während man drinsteckte, fühlten sie sich toll an. Ihr Worldbuilding setzte ähnliche Bausteine (jugendliche Helden, alte Prophezeiungen, magische Sekten, legendäre Waffen) immer neu zusammen, ihre Plots bewegten sich oft in Gletschergeschwindigkeit vorwärts, und letztendlich waren sie ziemlich austauschbar – obwohl kommerziell durchaus erfolgreich. Und da die 90er eine andere Zeit waren, sind viele der Tropes des Genres aus heutiger Sicht nicht gut gealtert, gerade wenn es um Geschlechterbilder oder die Darstellung von “exotischen” Kulturen geht.

James Camerons imperiale Dekade waren die 90er – zwischen Terminator 2 und Titanic. Ich finde es nicht verwunderlich, dass seine Filme bis heute diesen Geist atmen. Seht ihr das ähnlich?

Foto von eleonora auf Unsplash

Lieblingsfilme 2025

Letztes Jahr habe ich noch geschrieben, dass Filme in meinem Leben weniger wichtig geworden sind. Für 2025 kann ich das nicht behaupten. Zum jetzigen Zeitpunkt, zwölf Tage vor Ende des Kalenderjahres, habe ich bei Letterboxd 75 Filme geloggt – anderthalbmal so viele wie 2024. Der Grund ist eine Mischung aus Lebensumständen und bewusster Entscheidung:

Ich zähle 29 Kinobesuche für 2025, genauso viele wie im Vorjahr. An freien Abenden ins Kino zu gehen, gehört nach wie vor zu meinen Haupt-Freizeitbeschäftigungen, weil es einfach ist. Filme laufen jeden Tag, und ich gehe meistens alleine. Der Unterschied kommt durch andere Faktoren: Statt Serien zu verfolgen, habe ich mich dieses Jahr immer öfter entschieden, abends einfach einen Film zu gucken – notfalls in zwei Teilen. Außerdem ist mein Kind inzwischen alt genug, dass es selbst gerne Filme schaut. Wir haben Mitte des Jahres einen regelmäßigen Filmnachmittag am Wochenende etabliert, und sogar einige Kinobesuche waren möglich.

Ich glaube, 2025 war ein gutes Filmjahr. Ich hatte zumindest keine Schwierigkeiten, zehn Filme für eine Top 10 auszuwählen und erinnere mich auch, oft genug zufrieden aus dem Kino zu kommen. Blockbuster, etwa Superheldenfilme, habe ich häufig bewusst ausgespart und mich stattdessen auf Filme konzentriert, von denen ich mir mehr versprochen habe.

Überraschung und Überwältigung

Die größte Überraschung war dann aber doch ein Film, über den ich im Vorfeld quasi gar nichts wusste, außer dass er plötzlich in meinem Letterboxd-Stream überall zu sein schien. Ryan Cooglers Sinners (“deutscher” Titel Blood and Sinners) war dann aber ein so wilder Ritt durch Musik, Horror und Identitätspolitik, dass er mich im besten Sinne überwältigt hat. Es ist nie fair, dass Überraschung und Überwältigung in der Erinnerung schwerer wiegen als abwägende Analyse. Aber wenn ich auf ein Jahr zurückblicke, sind es immer eher diese emotionalen Erinnerungen, die von Dauer sind, und deswegen blieb Sinners von April bis jetzt mein Film des Jahres.

Auf den restlichen Plätzen findet sich deswegen auch eine Mischung aus intellektuellen und emotionalen Stimulierungen. Sentimental Value fällt sicher eher in die erste Kategorie – ein Film, den ich vor allem sehr clever durchdacht und gezeichnet fand, vor allem in seinen Figurendynamiken. Kathryn Bigelows A House of Dynamite hingegen ist trotz seiner verarbeiteten Ideen über Entscheidungsapparate und Kommunikation im Herzen pures Affektkino und hat als solches auch bei mir gewirkt.

Ich habe mich sehr gefreut, dass Danny Boyle und Alex Garland dieses Jahr mit ihrer “28”-Reihe zurückgekehrt sind und gezeigt haben, dass nicht alle spät entstehenden Sequels auch Legacy-Sequels sein müssen (was ich ausführlich mit Sascha im “Pewcast” besprochen habe). Der Animationsfilm Flow war mir aufgrund seiner filmischen Raumgestaltung im März sogar einen Blogartikel wert und ist ein guter Kandidat für einen Rewatch mit Kind.

Echtzeit-Dramatik am Arbeitsplatz

Eine ähnliche Einheit von Raum und Zeit findet sich auch in Heldin und September 5. Echtzeit-Dramatik am Arbeitsplatz scheint, siehe A House of Dynamite, also ein verstecktes Leitmotiv dieses Jahres zu sein. (Gleichzeitig ist Heldin ein Kandidat für den blödesten Titel des Jahres. Der internationale Titel Late Shift gefällt mir viel besser).

Das brasilianische Kino hatte, wie auch vor kurzem von Thomas Abeltshauser in epd film porträtiert, ein gutes Jahr. Deswegen freut es mich, dass mich auch zwei brasilianische Filme begeistern konnten, nachdem ich zuvor quasi keine Berührung mit dem Land hatte (City of God mal ausgenommen). Und während I’m Still Here (Für immer hier) auch wieder eher eine emotionale Reise darstellte (ich habe sehr lange danach noch Lieder aus dem Soundtrack immer wieder gehört), war The Secret Agent die Art Film, von dem ich nicht sofort wusste, wie gut ich ihn fand, der mich aber deutlich länger hat nachdenken lassen.

Erwähnungen und Caveats

Ich reserviere mir in dieser Art Listen traditionell Platz 10 für eine “Wild Card”. Pumuckl und das große Missverständnis wird sich sicher auf wenigen anderen Listen wiederfinden. Aber ich hatte so ein positives Kinoerlebnis gemeinsam mit meinem Kind und war so angetan davon, wie unaufgeregt und dennoch emotional stimmig Marcus H. Rosenmüller seine kleine große Geschichte erzählt, dass ich kein Problem damit hatte, auf diese Weise The Mastermind aus der Top 10 zu schubsen, dem ich hiermit eine lobende Erwähnung zukommen lassen möchte.

Für viele vermutlich sichtbar abwesend von dieser Liste ist One Battle After Another, den ich zwar gesehen und geschätzt habe, der mich aber insgesamt völlig kalt gelassen hat, wie – das muss ich inzwischen zugeben – eigentlich jeder Film von Paul Thomas Anderson seit Punch-Drunk Love. Dass ich auch mit In die Sonne Schauen nicht warm wurde, habe ich aufgeschrieben. Mit Sorry, Baby ging es mir ähnlich, wobei ich nicht hoffe, dass daraus bei mir eine Aversion gegen weibliches Trauma spricht.

Und es gilt der übliche Disclaimer, dass ich viele Filme auch einfach nicht gesehen habe, sei es aus Zeit-, sei es aus Interessensgründen, darunter Eddington, Bugonia, Frankenstein, Sirât und Ein einfacher Unfall – wobei ich zumindest die letzten beiden gerne noch nachholen möchte.

Et voilá, hier ist eine Liste und hier ist eine Liste auf Letterboxd.

Sinners
Sentimental Value
A House of Dynamite
28 Years Later
Flow
Heldin
September 5
Für immer hier
The Secret Agent
Pumuckl und das große Missverständnis

Bild: Constantin Film

The Clock

Vor kurzem habe ich mir einen vierzehn Jahre alten Wunsch erfüllt.

Im Februar 2011 habe ich auf David Bordwells Blog erstmals von Christian Marclays Filminstallation The Clock gehört. Marclays Werk passte in die Zeit. Denn mit der allgemeinen Verfügbarkeit von Videostreams über YouTube war auch die Zeit der “Supercuts” angebrochen, in denen Enthusiast:innen im Internet Filmszenen aneinanderreihten, die miteinander zu interagieren schienen, oft unterlegt mit Musik.

The Clock ist, so wird er auch immer wieder genannt, der ultimative Supercut. Marclay und sein Team haben aus über 3000 Filmen Szenen herausgesucht, in denen Uhren im Bild zu sehen sind oder in denen es um Zeit geht. Diese Szenen haben sie zu einem 24-Stündigen “Film” montiert, in dem, wenn man ihn korrekt synchronisiert, die im Bild gezeigten Uhren immer der Uhrzeit außerhalb des Films entsprechen. Um 12 Uhr mittags sieht man Szenen, die mittags spielen. Um 18 Uhr abends sieht man Filme, die um 18 Uhr abends spielen. The Clock ist also nicht nur ein Supercut von Uhren-Szenen, er ist auch selbst eine Uhr. Ein erstaunliches Werk, das ich unbedingt sehen wollte, seit ich zum ersten Mal davon gelesen hatte.

Aus Rechtegründen ist The Clock nirgendwo einfach so zu sehen, weder im Internet noch im Kino. Seit 29. November aber läuft er in der Neuen Nationalgalerie in Berlin und somit hatte ich vor kurzem die Gelegenheit, mich in seinen Bann zu begeben.

Meine erste Erkenntnis: The Clock ist doch etwas anders, als ich erwartet hatte. Die Uhrenszenen folgen nicht “neutral” aufeinander, sie sind, wie in einem Supercut, miteinander verwoben. Manche Szenen sind parallel montiert, als würden sie im Dialog stehen. Auf der Tonebene werden Übergänge geschaffen, die im Bild nicht zu sehen sind. So erzeugt The Clock wirklich einen fortlaufenden Flow, der nie endet, auch wenn die gezeigten Bilder oft wenig miteinander zu tun haben. Und somit entsteht auch ein Sog, dem man sich schwer entziehen kann. (All das steht schon in Bordwells Artikel, an den ich mich aber nicht im Detail erinnern konnte.)

Die zweite Beobachtung: The Clock erlaubt einem (wie alle Supercuts), seine eigene Filmbiografie gameshow-mäßig auf die Probe zu stellen. Obwohl Marclay Filme aus der ganzen Welt in seinem Werk verarbeitet hat, liegt der Schwerpunkt doch auf Hollywood-Produktionen, viele davon populär. Ich konnte nicht anders, als mich bei jedem neuen Ausschnitt zu fragen, ob ich den Film kenne. Die Abstufungen waren: 1) Ja, kenne ich und kann ich benennen. 2) Habe ich vielleicht irgendwann mal gesehen, aber ich kann ihn nicht benennen. 3) Ich kann Schauspieler:innen und/oder grobe Epoche identifizieren, aber ich kenne den Film nicht. 4) Noch nie gesehen. Gefühlt über alle Ausschnitte am meisten zu sehen, übrigens: Big Ben. (Es gibt tatsächlich ein komplettes, crowdgesourcetes Wiki des Films, in dem man nachschauen kann, was in jeder Minute im Film zu sehen ist.)

Am meisten in Erinnerung geblieben ist mir aber die Rezeptionssituation. The Clock läuft in einem eigens gebauten Kino auf großer Leinwand, das allerdings nicht mit Kinosesseln, sondern mit Reihen von Sofas bestuhlt ist. Das ermöglicht den Besucher:innen, das Kino frei zu betreten und zu verlassen, aufrecht zu sitzen oder sich hemmungslos zu fläzen. Trotzdem herrscht andächtiges Schweigen wie in einem Museum. Lachen oder andere Gefühlsregungen habe ich selten gehört – außer bei einem älteren Paar, das sich immer wieder flüsternd austauschte, wie sehr es bestimmte Schauspieler:innen mag. Einmal setzte sich eine Frau mit einem Baby neben mich und stillte es. Das war wahrscheinlich der schönste Moment. Mit Kino kann man gar nicht früh genug anfangen.

The Clock lebt an einem merkwürdigen Ort zwischen Kino und Installation. Ich habe insgesamt rund dreieinhalb Stunden in zwei Blöcken – einmal 75, einmal 135 Minuten – gesehen, also knapp die Hälfte der Öffnungszeit der Neuen Nationalgalerie zwischen 10 und 18 Uhr. Natürlich würde ich ihn am liebsten ganz sehen (auf Letterboxd entspann sich sofort eine Diskussion, ob man ihn überhaupt als “gesehen” markieren darf, wenn das nicht der Fall ist), aber auf gar keinen Fall in einem 24-Stunden-Marathon, wie ihn das Museum insgesamt zweimal anbietet.

Denn so schön es ist, sich in den endlosen Fluss der Bilder fallenzulassen – nach zwei Stunden am Stück merkte ich, wie mir auch langsam der Kopf schwirrte. Am besten für The Clock wäre es meiner Meinung nach, wenn er wirklich irgendwo als Uhr laufen würde. An einem (realen oder virtuellen) Ort, an dem man zu jeder Tages- und Nachtzeit vorbeischauen könnte und “die Uhr” betrachten könnte, manchmal für wenige Minuten, manchmal für mehrere Stunden, je nach Gefühl.

Wäre man frei, sich The Clock zu beliebigen Stimmungen und Zeiten zu widmen, könnte er seine Wirkung ganz anders entfalten. Ich stelle mir vor, dass ich nachts aufwache und mir zum Wieder-einschlafen eine Weile die Szenen zwischen 2 und 3 Uhr anschaue, mich um 20 Uhr für einen Filmabend einmummele, oder mich bei meiner Morgenroutine begleiten lasse. Man sollte The Clock auch im Hintergrund auf Partys laufen lassen können, gemeinsam davorsitzen und schauen, welche Szenen man erkennt. In der sterilen Umgebung eines Museumskinos, für das man im Übrigen 20 Euro Eintritt gezahlt hat (was die Hürde für wiederholte Besuche an mehreren Tagen hoch setzt), ist Marclays Werk in seiner Gesamtheit eigentlich verschenkt.

Ich empfehle trotzdem jedem, der die Gelegenheit hat, The Clock zu sehen. Mein Tipp wäre, sich einen Tag Zeit zu nehmen, direkt morgens zu kommen und zwischendurch kurze oder lange Pausen zu machen: Spazieren gehen, essen, mit Freund:innen über das Gesehene sprechen und dann immer wieder eintauchen, bis das Kino schließt. Was es aber eigentlich nicht sollte. Andere Uhren hören ja auch nicht auf, weiterzulaufen.

Commander 2025

In diesem Post geht es um das Kartenspiel Magic: The Gathering. Es wird nichts erklärt. Wer das Spiel nicht kennt, wird mit den meisten Begriffen vermutlich nichts anfangen können, aber ich hatte Lust, das hier aufzuschreiben.

Ich habe drei neue Commander Decks dieses Jahr gebaut, ich bin auf alle drei stolz und spiele sie nach wie vor gerne. Besonders hilfreich war dabei das neue Deckbuilding Template der Command Zone. Es hat mir noch einmal klar vor Augen geführt, dass die meisten Karten in einem Deck eben keine lustigen Lieblingskarten (besonders keine “Win more”-Karten) sein sollten, sondern “Brot und Butter”-Karten, die dafür sorgen, dass alles funktioniert – insbesondere Card Draw. Wenn Rachel Weeks mir etwas erklärt, folge ich ihr.

Mein jüngstes Deck habe ich sogar so gebaut, dass ich zuerst ein Gerüst aus Carddraw, Removal, Mass Disruption und Ramp gebaut habe, bevor ich überhaupt nur angefangen habe, die Game Plan Karten auszuwählen. Macht es leichter, weil man nicht am falschen Ende spart. Wie wenn man sich am Buffet zuerst den Salat auf den Teller schichtet.

Winter, Cynical Opportunist

Ich war mit meinem Plan, für jede der zehn Zwei-Farb-Kombinationen ein Deck zu bauen, 2024 durch, und konnte ab sofort frei wählen. Allerdings hatte mein Golgari-Deck, ein aufgebohrtes Precon mit Lathril, Blade of the Elves, mir nie wirklich Spaß gemacht, geschweige denn gewonnen. Winter (der in der Duskmourn-Geschichte ein Bösewicht ist, glaube ich) sah irgendwie cool aus, und ich mochte logischerweise die Idee, große Permanents aus dem Friedhof ins Spiel zu cheaten und dafür nicht durch zu viele Reifen springen zu müssen. Da ich auch noch nie ein Deck mit Self-Mill gebaut hatte, schien mir Winter eine gute Wahl.

Die Luxus-Anschaffungen für dieses Deck waren Portal to Phyrexia (mit dem ich immer schon mal spielen wollte) und Colossal Grave-Reaver. Das Deck funktioniert meistens ganz gut. Wenn es funktioniert, wird es aber auch schnell bedrohlich. Ich habe damit schon gewonnen, aber ich kann nicht ganz sagen, wie hoch meine Quote wirklich ist. Ich glaube, es könnte noch ein wenig nachgeschärft werden, aber für’s erste ist es okay so.

Decklist auf Moxfield

Vren the Relentless

Dimir ist immer meine Achillesferse gewesen. Die meisten Decks, die in dieser Farbkombination entstehen, entsprechen einfach nicht meinem Spielstil. Auch hier war das einzige Deck, das ich tatsächlich mal in diesen Farben gespielt habe, das Precon mit Anowon, The Ruin Thief, das noch recht früh nach meinem Wiedereinstieg in Magic rauskam. Seit ich Vren in Bloomburrow gesehen hatte, dachte ich mir aber: Das wäre mal ein Deck, das ich mir vorstellen könnte: Leichtes Ratten-Typal mit dazu starkem Removal-Typal.

Das finale Deck hat 19 Targeted Disruption Spells und dazu einige Edicts. Es sorgt also dafür, dass die Gegner, sobald Vren liegt, nicht mehr viele Kreaturen auf dem Board haben sollten und ich dafür immer größere Ratten kriege. Das ganze wird abgesichert mit Counterspells und – auch nicht unwichtig – Klonen, die im besten Fall die Wirkung verdoppeln, aber auch als Backup fungieren, wenn jemand Vren killt.

Das Deck funktioniert erstaunlich gut. Ich habe damit schon mehrfach gewonnen oder fast gewonnen, und konnte außerdem einige sehr niedliche Rattentoken malen.

Decklist auf Moxfield

Samut, the Driving Force

Ich mochte Aether Drift, obwohl es eins der unbeliebtesten Sets jüngerer Geschichte war. Ich fand das “Death Race”-Thema lustig und cool illustriert und ich mochte auch von Anfang an die Speed-Mechanik. Samut habe ich mal in einem Draft gezogen und mir fingen bei dem doppelten Bonus, den sie gibt, sowie bei der beeindruckenden Booster-Fun-Illu sofort die Augen an zu leuchten. Das Grundgerüst des Decks war schnell konstruiert – es sind 12 “Start your Engines” Karten drin, dann einige hastige Angreifer und Ping-Effekte, um schnell auf Max Speed zu kommen, Board Wipes um Zeit zu gewinnen und genug Ramp um schnell sechs Mana zur Verfügung zu haben – aber ich habe eine Weile gerätselt, welchen Payoff ich am Ende haben will.

Die Lösung lag für mich in großen “Create X Tokens” Sprüchen. Auf dem Höhepunkt des Spiels kann man (mit Samuts Cost Reduction) 10+ kleine Kreaturen machen, die dann durch Samuts Bonus zu 5/1-ern o.ä. werden und so das Spiel beenden können. Größte Schwachstelle des Decks ist nach wie vor der Commander, der gebraucht wird, damit es funktioniert – aber ich habe auch schon festgestellt, dass man in den späteren Zügen oft genug Mana hat, um Samut auch ein zweites oder drittes Mal zu casten, wenn sie removed wird.

Samut ist noch recht neu. Ich habe das Deck erst dreimal gespielt und bisher nicht gewonnen, aber es macht fast immer Spaß, zu spielen. Größter Kostenpunkt war das passende Triome. Davon abgesehen ist es ein erstaunlich preisgünstiges Deck.

Decklist auf Moxfield

Von den drei neuen Decks abgesehen habe ich in der Regel immer noch mit meinem vor einem knappen Jahr fertiggestellten Rainbow Dash-Flieger-Deck, das auch regelmäßig gewinnt, den meisten Spaß. Auch General Ferrous Rokiric (etwas getunt nach neuem Template) spiele ich immer wieder gerne. Mein Ian-Malcolm-Deck hat noch nie gewonnen und ist etwas zu chaotisch für die meisten Runden. Ich muss es mal wieder spielen. Volo, Guide to Monsters wird wahrscheinlich 2026 auseinandergenommen, wenn ich die nächste Idee habe. Und wie lange sich Stangg noch hält, wird man auch sehen – ich glaube, er hat auch erst ungefähr einmal gewonnen. Chun-Li, als mein einziges Spellslinger Deck, wird sicher noch eine Weile aktiv bleiben.

Rückblick auf das Podcast-Jahr 2025

Der große Knall für die Podcast-Branche ereignete sich dieses Jahr im August. Amazon gab bekannt, dass es die Podcastfirma Wondery, die es 2020 für 300 Millionen Dollar gekauft hatte, dicht macht. 110 Personen wurden entlassen, einige davon auch in Deutschland. Wie bei amerikanischen Unternehmen üblich, ging das ganze recht schnell. Nur wenige Wochen nach der Nachricht sah ich auf LinkedIn die Posts von deutschen Wondery-Mitarbeiter:innen, die sich verabschiedeten. Auch anderswo wurde gespart. Die “Goldgräberstimmung” sei endgültig vorbei, hieß es. Also irgendwie: kein gutes Jahr für Podcasts.

Für mich, der ich nach wie vor nicht wirklich selbst tiefer Teil der Branche bin und vor allem die nach außen sichtbaren Ergebnisse begutachte, ging in der allgemeinen Trauer der zweite Teil der Wondery-Meldung etwas unter: Nicht alle Podcasts von Wondery wurden eingestellt. Amazon verabschiedet sich nicht aus dem Podcast-Business. Es sah vor allem keinen Grund mehr dafür, die sehr unterschiedlichen Produkte, die Wondery produziert hat, in einer eigenen Einheit mit der Überschrift “Podcasts” zu organisieren. Von einer “klaren Zweiteilung” (“clear bifurcation”) des Outputs sprach Steve Boom, Amazons Audio-Chef, in einem Interview mit Variety: “Many of the platform’s most popular titles fell into one of two broad categories: narrative-driven and personality-centric.”

Amazon reorganisierte die erfolgreicheren Podcasts aus diesen zwei Sparten: Für die Personality-Podcasts, die zunehmend auch als Videoformate reüssieren, gründete das Unternehmen eine neue Einheit namens “Creator Services Team”. Die narrativen Podcasts wanderten zur abofinanzierten Hörbuch-Division von Amazon, Audible.

What even is a podcast?

Es ist nicht so, dass niemand diese neue Aufteilung bemerkt hätte. Denise Fernholz’ bester Podcast-Newsletter Beifahrersitz griff das Thema auf und löste viele der Gedanken aus, die ihr im Folgenden lesen werdet. Und auch Eric Bensons Artikel “Who killed the narrative Podcast?” wurde geteilt und besprochen. Benson schreibt treffend, dass sich im Bereich narrative Podcasts immer schon sehr verschiedene Charaktere getummelt hatten, die aber auch sehr unterschiedliche Ziele damit verfolgt hätten:

[I]t had always been a little unclear what the goal of making these shows really was. Were they entertainment or journalism? Should their success be measured in awards and social impact, or by their ability to turn a buck? (…) The different segments of the industry always had different answers to these questions, but for a time, while the money was flowing, it felt like podcasts could be everything to everyone.

Das also ist für mich die Frage, die im Zentrum des Podcastjahres stand: 2025 haben wir uns “janz domm” gefragt: Was sind Podcasts eigentlich? Gibt es eine Art ontologisches Ideal, nach dem Podcasts streben sollten? Wenn man sich die Wondery-Entscheidung anschaut, lautet die Antwort eindeutig: Nein. “Podcasts” sind wie “Fernsehen” eine breite Kategorie, der man mit einem einzelnen Begriff kaum noch habhaft wird. Sie sind Unterhaltung und Journalismus, Talkshow und Doku, Video und Audio, themengetrieben und personengetrieben, “always on” und abgeschlossen.

In seinem Buch Die Zukunft des Lesens, das ich im September mit Lucas Barwenczik in seinem Literaturpodcast Gelesen. besprochen habe, benutzt der Kulturwissenschaftler Christoph Engemann das Wort “Podcast” als “Container-Begriff” für alles, was er “Plattform-Oralität” nennt, und in dem er einen Nachfolger der Schrifttradition sieht: Audio-Only-Podcasts, lange YouTube-Essays, kurze TikToks und Reels, aufgezeichnete Interviews. Alles, in dem Menschen mit dem Publikum reden, wo sie vielleicht früher geschrieben hätten. Der Begriff “Podcast” bedeutet also längst für jeden etwas anderes.

Kein einheitlicher Qualitätsmaßstab

Und so ist es dann auch kein Wunder, dass Cathrin Jacob, die in der ARD Chefin der 2025 neu gegründeten Podcast Unit ist, mir diese Woche im Interview erzählt, dass es für ein Format wie Musste durch mit den Video-Creators Levi Penell und Fabian Rashagai, das sowohl als Audio- als auch als Videoformat verteilt wird, “überhaupt keine Frage”, war

dass da auch ein Video-Element mit drin ist (…) wenn die visuell groß geworden sind und jetzt einen Podcast machen, dass wir dem auch Rechnung tragen und das mit anbieten. Das war, glaube ich, keine große Diskussion (…).

(Dass der Begriff “Fernsehen” ähnlich schwammig geworden ist, sieht man unter anderem daran, dass mein Auftraggeber bei LÄUFT, das Grimme-Institut, mit seinem prestigeträchtigen Fernsehpreis schon seit einigen Jahren nicht nur Streaming-, sondern auch YouTube- und TikTok-Formate (etwa Smypathisch) auszeichnet.)

Das alles ist nichts Neues, aber ich fand, dass es sich lohnt, es noch einmal festzuhalten. Wir sind nicht nur schon lange aus der Zeit raus, in der “Podcast” irgendwas mit RSS-Feeds bedeutete. Inzwischen hat sich das Feld der Angebote, die immer noch unter dem Begriff “Podcast” zusammengefasst werden, so diversifiziert, dass es völliger Quatsch ist, immer noch so zu tun, als ließen sich Podcasts irgendwie mit einem einzigen Qualitätsmaßstab bewerten.

Eine Studie mit drei Säulen

Hilfreich finde ich in diesem Zusammenhang übrigens die an der Zürcher Hochschule für angewandte Wissenschaften entstandene Studie “Designing Podcasts” (hat tip an den NAPS-Newsletter für den Hinweis). Diese versucht, Podcasts aus Hörenden- wie aus Produktionsperspektive zu kategorisieren, und landet bei einem Drei-Säulen-Modell mit den Kategorien “Story”, “Talk” und “Factual” (in Anlehnung an ein ähnliches Fernseh-Modell von Jennifer Mival, das von story-, talent- und format-driven ausgeht). Für jede der drei Kategorien trägt sie Best Practices zusammen.

Ich will mich hier nicht im Detail mit der Studie auseinandersetzen, und ich gehe davon aus, dass diese Art der Rubrizierung an den Orten, wo Podcasts produziert werden, längst Gang und Gäbe ist. Aber ich pflege ja, wie erwähnt, vor allem den kritischen Blick von außen. Und damit will ich endlich zu dem dieses Artikels kommen, der sich auf Basis dieser Grundsatz-Beobachtungen mit dem inhaltlichen Ergebnis des vergangenen Podcast-Jahrs beschäftigt.

Es gibt immer mehr Mittelmaß als Mut

Denn mein Kern-Betrachtungsfeld, die narrativen Podcasts, werden vor allem dann beachtenswert, wenn sie sich nicht nur in ihren gewohnten Bahnen bewegen, sondern Formen und Inhalte finden, die darüber hinausgehen. Wenn also ein Podcast eine journalistische Story erzählt und eine besondere Persönlichkeit als Erzähler:in vorweisen kann. Oder ein Factual-Format (was am ehesten noch den Geist des Radios atmet), sich nicht auf die reine Informationsvermittlung beschränkt, sondern auch dramaturgisch oder beim Sound Design auffällt.

Dieser Wunsch nach “mehr Mut” und “Experimentierfreude” wird immer wieder und überall gefordert. Sandro Schroeder hat sich im Hören/Sagen-Newsletter in seiner “Podcast State of the Union” dieses Jahr damit auseinandergesetzt, warum er glaubt, dass dieser heilige Gral in Deutschland gleichzeitig so aufgeladen ist und so schlecht erreichbar scheint. Bei der “So Many Voices”-Konferenz von hauseins in München war “Warum wir mehr spinnen sollten” dieses Jahr das Thema der Keynote. Ich war leider nicht vor Ort, aber jemand, der da war, drückte mir gegenüber privat hinterher seine Enttäuschung so aus: “Außer ‘Hey, macht doch mal crazy Moderation/Sounddesign/Struktur …’ und ein paar Beispielen aus US-Podcasts war da für mich zu wenig Substanz drin.”

Für mich als Kritiker ist das nicht verwunderlich. Ein großer Teil dessen, was medial produziert wird, ist selten schlecht, sondern Mittelmaß (darüber habe ich vor zehn Jahren mal mit Blick auf Filme geschrieben). Es ist passabel, erfüllt im Zweifelsfall seinen Zweck, lässt einen aber auch nicht aufhorchen. Und: Das ist okay.

Medienjournalistische True-Crime-Dramaturgie

Auch für narrative Podcasts hat sich – so ist das, wenn sich ein Format etabliert – eine Art Ideal-Formel herausgebildet, der die meisten heute folgen. Letztes Jahr hat das BR-Story-Team auf der “So Many Voices” sein dramaturgisches Template aus Erzählelementen und Wendepunkten vorgestellt, das verlässlich funktioniert, aber eben auch irgendwann abgegriffen wirkt, wenn man nach Neuem sucht.

Im Kern steckt dahinter eine “True Crime Dramaturgie” wie Regisseur Leonhard Koppelmann das im Interview mit mir in LÄUFT ausgedrückt hat: Im Zentrum steht ein Mysterium, dem ein:e Ermittler:innen-Host durch ihre Recherche versucht, auf die Spur zu kommen. Die Recherche (und nicht etwa die freigelegte Information) ist der Bogen, der die Handlung strukturiert und dramaturgische Umschwünge möglich macht. Erzählt wird nicht nur von der Geschichte, die recherchiert wird, sondern auch vom Arbeiten der Rechercheurin. Inwiefern das schon Medienjournalismus ist (wofür ich lange plädiert habe), habe ich ebenfalls dieses Jahr in LÄUFT diskutiert.

Man kann es auch gut machen: Meine Highlights

Wenn diese Dramaturgie mittelmäßig bis schlecht verwendet wird, habe ich als Hörer häufig das Gefühl, ich werde unnötig lange hingehalten oder sogar betrogen. Aber genauso kann man es auch einfach gut machen – und manchmal reicht das. Mein Lieblingspodcast des Jahres ist so ein Fall. Obsessed: Döner Papers (BR/Kugel und Niere) geht dem Mysterium des Logos auf der Döner-Tüte nach – und seine Lösung stand bereits am Tag der Veröffentlichung in der Pressemitteilung und auf Social Media. Aber der Podcast ist trotzdem toll zu hören, weil Host Aylin Doğan auf ihrer Suche so viel mehr mit den Hörenden teilt: Die Geschichte des Döners in Deutschland, ihre eigene Identität als Gastarbeiter-Nachkommin, die auch in ihren Interviews spürbar wird, und historisches Wissen zu alten Druck- und Designtechniken.

Mir persönlich hat diese Form des Podcasts als Gefäß für “Personal Essays”, wie sie im US-Magazinjournalismus deutlich verbreiteter sind als in Deutschland, immer schon am besten gefallen. Ich schreibe deswegen etwas Ähnliches quasi jedes Jahr: Nicht nur die Recherchearbeit des Hosts sollte im Podcast hörbar werden, sondern auch seine Persönlichkeit, die die Recherche prägt. Das war auch in zwei weiteren narrativen Podcasts dieses Jahr der Fall, die mir gut gefallen haben: Azizam – die Revolution meiner Mama (funk/SWR/acb stories, Kritik in LÄUFT) mit Host Aida Amini und Greta – Die Geschichte eine Eskalation (SZ, Kritik in LÄUFT) von Vera Schroeder. Beide beleuchten im Kern Sachthemen – eigentlich auch ohne eine besonders bemerkenswerte “Story” mit Cliffhangern – aber wertvoll werden sie durch die persönlichen Reflexionen der Personen, die einen durch diese Themen hindurchführen.

Diese Verbindung von Informationsvermittlung und Gedanken des Hosts funktioniert auch episodisch. Das kann identitätspolitische Züge haben, wie in Alexander/Ali Gutsfelds Nicht mehr mein Land (BR), in dem er versucht, in einzelnen Begegnungen den Spuren des sogenannten Rechtsrucks in Deutschland nachzugehen. Es kann aber auch wissenschaftlich funktionieren, wie in Die vielleicht letzten Tage der Menschheit (Radio Bremen), in dem Host Jannis Funk, ausgehend von der Geburt seines eigenen Kindes, darüber nachdenkt, auf welche verschiedenen Arten unsere Spezies ausgelöscht werden könnte.

Wenn die Host nicht im Zentrum stehen soll

Wenn es nüchterner sein soll, wenn die persönliche Ebene des Hosts also keine so große Rolle spielt, finde ich immer wieder entscheidend, dass der Podcast sein Thema gut erklärt. Er muss die ausführliche Länge, die er zur Verfügung hat, nutzen, um wirklich die verschiedenen Ebenen freizulegen, die jeden Sachverhalt ausmachen, wenn er einen ganzen Podcast rechtfertigen soll. Als herausragende Beispiele dieser Bauart habe ich 2025 Teurer Fahren (detektor.fm/RBB/SWR), Durchgefallen (SWR) und Wolf of Cannabis (1LIVE, Kritik in LÄUFT) gehört. Alle drei Podcasts schaffen es, zu zeigen, dass ihre Themen – Bahnsanierung, Schulsystem, Cannabis-Legalisierung – kompliziert und vertrackt sind, dass es keine einfachen Lösungen gibt, aber dass es dennoch möglich ist, sich einen Weg durch das Dickicht zu bahnen und hinterher schlauer zu sein.

Aber nichts davon ist gesetzt. Im Zweifel braucht es gar keinen Host, es reicht auch eine fähige Sprecherin oder ein fähiger Sprecher. Tech Bro Topia (DLF) ist im Grunde ein sechsteiliges Feature, erzählt aus neutraler Perspektive, ohne Reporter:in im Feld, aber gut strukturiert und mit kernigem Sound- und Musikdesign angereichert. Auch der episodische Podcast Unfassbar (Simplicissmus) hat diese Form meiner Ansicht nach gut gemeistert, auch wenn er manchmal etwas zu grandios daherkommt. Dass es auch ganz ohne Erzählstimme geht, haben sehr eindrücklich die Leftovers (Kugel und Niere) bewiesen.

Ich habe bei weitem nicht alle Podcasts gehört, die dieses Jahr in Deutschland erschienen sind, geschweige denn in allen Sprachen, die ich spreche (gerne Empfehlungen für tolle niederländische Podcasts in die Kommentare!). Deswegen ist das alles natürlich nur ein Blick durch das Schlüsselloch auf die weite, breite Podcastlandschaft. Wenn ich es schaffe, im Dezember noch ein paar gelobte Podcasts nachzuholen (DNA des Ostens, zum Beispiel, interessiert mich sehr), werde ich darüber wie gewohnt in den “Höreindrücken” berichten.

Sind Podcasts Hörbücher?

Aber lasst mich die Klammer von vor 11.000 Zeichen am Anfang dieses Posts mit Bezug auf narrative Podcasts noch zumachen: Amazon hat die verbliebenen narrativen Podcasts zu Audible geschoben. Für mich klang das wie ein erstaunlich logischer Schritt. Audible vertreibt Hörbücher. Und Podcasts und narrative Sach-Hörbücher sind einander sehr nah. Die US-Podcastfirma Pushkin Industries vertreibt, zum einzeln kaufen, seit Jahren unter dem Namen “Audiobooks”, was man genauso gut Podcast nennen könnte (ich habe dieses Jahr eins über Douglas Adams gehört, was ich aber nicht gut fand). Das oben erwähnte “Tech Bro Topia” ließe sich wahrscheinlich problemlos auch als Buch lesen.

Aber Sachbücher sind natürlich auch nicht gleich Sachbücher. Auch dort gibt es persönliche und unpersönliche Varianten, story- und erklärgetriebene Stoffe. Ähnlich sieht es im anderen Medium aus, das dem narrativen Podcast verwandt ist, dem Dokumentarfilm. Auch hier gibt es Filme, in denen die Filmemacherin eine tragende Rolle spielt und solche, in denen sie nur “Fly on the Wall” sind. Es gibt Filme mit Voiceover und ohne, und dieser Voiceover kann von der Autorin oder von Morgan Freeman stammen. Und natürlich gibt es in beiden Medien gute und schlechte Exemplare in allen Formen. Ein platonisches Ideal gibt es nicht.

Viele kleine gute Dinge

Zu guter Letzt möchte ich noch einige weitere Formate und Ideen aufzählen, die mir positiv aufgefallen sind, aber oben nicht reingepasst haben. PJ Vogts Search Engine ist mir über die Jahre erstaunlich ans Herz gewachsen. Viele Folgen sind inzwischen nur noch Gespräche mit anderen Journalist:innen, in denen diese ihre Recherchen nacherzählen, aber Vogt fügt auch immer noch seine eigenen Gedanken dazu, unabhängig vom Interview. Diese Art von Analyse, gestärkt durch die parasoziale Beziehung zum Host, finde ich herausragend. Ein bisschen habe ich mich davon in der LÄUFT-Episode zu Pen&Paper in der ARD inspirieren lassen. Und ich finde auch, dass Marina Weisband das in ihren Audio-Essays Wind und Wurzeln gut macht (wenn auch ohne Interview, Kritik in LÄUFT).

Wie Susan Burton die zweite Staffel von The Retrievals wie ein Drehbuch für eine Krankenhaus-Serie strukturiert hat, inklusive Beschreibung der Kamerafahrten, wurde ausführlich gelobt und besprochen, aber es ist auch tatsächlich einzigartig. Der Podcast War da was? von der Zeit ist im Grunde zwei Podcasts in einem, kurze Chronik-Folgen und lange Interviews, was ich ebenfalls eine richtig gute Idee fand (Kritik in LÄUFT). SWF3 – Das Phänomen ist Podcast als Archivarbeit, ein oft eher unterbeleuchteter Aspekt des Mediums. Wild Card, ein NPR-Podcast, den es schon seit 2023 gibt und in dem Promis die Fragen, die ihnen gestellt werden, per Zufall bestimmen, ist ebenfalls ein gutes Format – was aber auch und vor allem an der charismatischen Host Rachel Martin liegt. Shell Game ist auch in Staffel 2 bisher sehr hörenswert – was ebenfalls vor allem an Autor Evan Ratliff liegen dürfte. Our Ancestors Were Messy schließlich ist eine sehr gelungene Mischung aus Geschichtsstunde und Gossip-Unterhaltung.

Ergänzung: Wer tiefer in die “Designing Podcasts”-Studie aus Praxis-Sicht einsteigen möchte, dem empfehle ich dieses Interview von Valerie Wagner mit Cheyenne Mackay, die als “Praxispartnerin” die Studie begleitet hat.

Nachtrag, 3. Januar: Das Thema “Was ist eigentlich ein Podcast/Sollten wir das Wort weiter benutzen?” zieht weiter seine Kreise. Andru Marino hat in einem Artikel bei The Verge vorgeschlagen, insbesondere für Videopodcasts einfach das Wort “Show” zu verwenden.

Foto von Luke Jernejcic auf Unsplash

Playlist 2025

Ich bilde mir ja ein, dass ich auch mit über 40 nach wie vor einen relativ breiten Musikgeschmack habe. Ich habe zwar klare melodische und harmonische Vorlieben, derer ich mir auch bewusst bin, aber ich höre mich immer noch gerne breit durch alle möglichen Genres und Künstler:innen und versuche überall die Sachen zu entdecken, die mir gefallen.

Eine große Leerstelle ist bei mir trotzdem nach wie vor Rap und Hip-Hop. Das mag daran liegen, dass ich immer ein großer “Music first” Mensch war, der erst beim x-ten Hören wirklich auf Texte achtet. Vielleicht hat es zum Teil auch etwas mit dem Gestus der Subkultur zu tun, der mir insbesondere seit den 2000ern, ganz ohne Wertung, bis heute eher fremd ist. Was sich auch durch eingehendere Beschäftigung (ich habe dieses Jahr zum Beispiel mit Spaß das Buch “Könnt ihr uns hören?” von Jan Wehn und Davide Bortot gelesen) nicht ändert.

Insofern hat es mich dann doch gefreut, dass ich dieses Jahr ein Rap-Album entdeckt habe, das vermutlich mein Album des Jahres ist – und daher auch mit zwei Songs in meiner Playlist vertreten sein darf. Klar, wenn man ein Album schon Dead Channel Sky nennt – in Anspielung auf den berühmten ersten Satz von William Gibsons Neuromancer – und in seinen Songs dann auch ein allgemeines Gefühl von Cyberpunk aufkommen lässt, hat man bei mir sowieso schon gewonnen. Aber der eher maximalistische Ansatz des Trios clipping. – vertrackte Beats und Soundscapes, über die Daveed Diggs dann auch noch mit angeberischer Geschwindigkeit rappt – spricht in mir natürlich auch die Liebe zu Konzepten und Musiktheater an, die im Rap sonst eher nicht so vertreten sind. Die furiose letzte Minute von “Dodger”, in der Breakbeat, Streicherflächen und synkopierter Rap gemeinsam abheben, ist vielleicht das beste, was dieses Jahr entstanden ist.

Ansonsten war das Jahr musikalisch für mich eher wenig herausragend. Ich war auf vier Konzerten – über Alanis Morissette hatte ich ja schon geschrieben – und hatte sowohl bei And So I Watch You From Afar (Titelbild) als auch bei KNOWER einigen Spaß. Am meisten in meine Gehörgänge gewurmt haben sich der Song “Antarctica” der Band Divorce, in der sich männliche und weibliche Gesangsstimme wunderschön miteinander verweben, und Joe “Djo” Keerys Beatles-Pastiche “Charlie’s Garden”. Letzteres ist wirklich schon nah an der Parodie, mit seinen Ringo-esken Drumfills und dem Einsatz einer Piccolotrompete, die direkt aus “Penny Lane” geklont sein könnte, aber es ist trotzdem auch einfach ein schöner Song.

Ein willkommenes Wiedersehen gab es 2025 unter anderem mit Nao (Album Jupiter), Tunde Adepimpe von TV on the Radio (der immer mehr wie Peter Gabriel klingt), Molly Tuttle, The Beths (deren Konzert ich leider verpassen musste) Tyla und – überraschend für mich – auch Mariah Carey. 90er Jahre RnB steckt doch tiefer in meinem Venen, als ich selbst vermutet hätte. Ich habe nunmal als Teenager auch ab und zu geschmachtet.

Und wie immer ist auch dieses Jahr ein Song auf der Liste, der fast eine Hassliebe ist. Charlie Puths “Changes” klingt so sehr nach einem bestimmten musikalischen Moment Ende der 80er, Anfang der 90er (sehr bewusst, wie er in Switched on Pop erklärt hat), das ich einfach nicht weghören konnte. Hier trifft Wilson Philips “Hold On” auf Bruce Hornsbys “The Way it Is”, und es klingt einfach irgendwie genial, auch wenn mir die Melodielinie etwas zu repetitiv daherkommt.

Da ich letztes Jahr so viel darüber geschrieben habe, woher meine Musik kommt, will ich das zumindest kurz aufgreifen. Wohl in kaum einem anderen Jahr haben die Empfehlungen von NPR Music sich so sehr in meiner Endjahres-Playlist niedergeschlagen. Seit Bob Boilen das Team verlassen hat und All Songs Considered zwölfmal im Jahr “Contenders” nominiert, also Lieblingslieder der Journalist:innen dort, ist meine Überschneidung mit dem Geschmack der Redaktion erstaunlich hoch geworden. 17 von 26 Titeln habe ich zuerst bei All Songs Considered gehört. Die einzigen echten Algorithmus-Empfehlungen dieses Jahr waren Chloe Qisha und die zwei elektronischen Tracks.

HAIM – Relationships
clipping. – Keep Pushing
Chloe Qisha – Sex, Drugs and Existential Dread
Divorce – Antarctica

Bester Reim des Jahres, über zwei Strophen hinweg: “Antarctica” mit “Parked the Car”.

Great Grandpa – Junior
Djo – Charlie’s Garden
Nao – Light Years
The Knocks & Dragonette – Dreams
Erik Luebs – Beat the Lifeless Heart
Anthony Naples – Uforia2
Tautumeitas – Bur ma laimi
FKA Twigs – Eusexua
Tunde Adepimpe – Drop
Jacob Collier – Norwegian Wood
Sandbox Percussion – Don’t Look Down: I. Hammerspace
The Beths – No Joy
Molly Tuttle – Rosalee
Brandi Carlile – Church and State
Amy Millan – Kiss that Summer
Sarah McLachlan – Better Broken
Tyla – Bliss
Bon Iver – If Only I Could Wait (feat. Danielle Haim)
Mariah Carrey & Shenseea – Sugar Sweet (feat. Kehlani)
Charlie Puth – Changes
Ólafur Arnalds & Talos – We didn’t know we were ready
clipping. – Dodger

Die Playlist ist so arrangiert, dass sie sich gut von vorne bis hinten durchhören lassen sollte. Es gibt sie auf meinem Heimatplaneten Apple Music und kopiert bei Spotify.

Von Richard Bachman zu Hans Fallada (Unsortierte Gedanken #6)

Vor einigen Wochen sagte meine Frau Katharina zu mir: „Stell dir vor, ich lese als nächstes ein Buch von Stephen King. Es spielt im Jahr 2025, und es geht um einen Mann, der gejagt wird.“ Wir brauchten etwas Hin und Her und ein paar Internetsuchen, um festzustellen, dass

a) der Roman von 1982 mit dem „deutschen“ Titel Manhunt im Original The Running Man heißt,
b) King den Roman unter seinem Pseudonym Richard Bachman geschrieben hat,
c) er tatsächlich die Vorlage für den Film mit Arnold Schwarzenegger von 1987 ist, den ich als 12-Jähriger viel zu früh gesehen habe und
d) diese Verfilmung aber nur wenig mit dem Roman zu tun hat und Edgar Wrights Film The Running Man, der diese Woche startet, sich enger am Buch orientiert.

Diese ganze Kombination aus Erinnerungen und aktuellen Anlässen fand ich interessant genug, dass ich The Running Man auch gelesen habe. Er spielt in einer nahen Zukunft, in der die Luft in den Städten verpestet ist und die Quasi-Regierung der Vereinigten Staaten vom Fernsehsender „Games Network“ gestellt wird. Die Armen, die außer den verpflichtenden Fernsehern in jedem Haushalt kaum etwas besitzen, melden sich dort freiwillig, um in martialischen Game Shows wie „Treadmill to Bucks“ und „Swim the Crocodiles“ gegeneinander anzutreten. Zur Unterhaltung der Massen und in der Hoffnung auf den großen Gewinn. Die Hauptfigur, ein wütender Draufgänger namens Ben Richards, dessen 18 Monate alte Tochter eine Lungenentzündung hat, meldet sich beim Network und wird für das Kronjuwel der Gameshows ausgewählt: den „Running Man“, in dem er vogelfrei durch die USA zieht, verfolgt von professionellen „Jägern“, die ihn töten wollen. Jede Stunde, die er überlebt, bringt ihm Geld ein.

No smell but the decaying reek of this brave year 2025.
(aus The Running Man)

Eigentlich nichts Neues, möchte man meinen. Ein typisches Gewächs der späten 70er und frühen 80er im Geist, den Neil Postman 1985 in Amusing Ourselves To Death final einfing. Ich musste an Network (1976) denken und an den deutschen Fernsehfilm Das Millionenspiel von 1970, der auf Robert Sheckleys Kurzgeschichte The Prize of Peril von 1958 basiert und ein fast identisches Setup hat. Ich war aber doch überrascht, wie nihilistisch der Roman ist. Er strotzt nur so vor Verachtung der gesamten Gesellschaft, hat wenig Raum für Optimismus, geschweige denn für Heldentaten und mündet in einem ziemlich düsteren Ende – ganz anders als die Schwarzenegger-Verfilmung, in deren Finale der Protagonist Ben Richards und seine Verbündeten eine Art Medienrevolution starten und das Games Network als Lügner anklagen.

Ein Teil dieses Nihilismus lässt sich sicher mit der allgemeinen „No Future“-Stimmung der Zeit nach Vietnam, Watergate und Co erklären, aber Stephen King sah sein Alter Ego Richard Bachman irgendwann ja auch ganz bewusst als seine „dunkle Seite“ an. Ursprünglich geschaffen, um einfach mehr Bücher publizieren zu können – die Verleger waren der Meinung, mit mehr als einem Buch pro Jahr würden sich Kings Verkäufe kannibalisieren – wurde Bachman schnell zu einem Ventil, in dessen Romanen King seinen eigenen pessimistischen Impulsen freie Bahn lassen konnte. Bachmans erstes Buch Rage (1977) hatte King sogar zu großen Teilen geschrieben, als er noch in der High School war – also die Zeit, in der viele Menschen einen Hang zum Nihilismus entwickeln. (Das doppelte Spiel wurde einige Jahre später enttarnt und King schrieb einen Roman namens The Dark Half, in der ein Autor von seinem düsteren Pseudonym gefangen genommen wird.)

King hat diese innere Transformation später in Vorworten zu den Bachman-Romanen reflektiert und schlussgefolgert, dass es gut ist, einen inneren Bachman zu haben:

„There’s a place in most of us where rain is pretty much constant, the shadows are always long, and the woods are full of monsters. It is good to have a voice in which the terrors of such a place can be articulated and its geography partially described, without denying the sunshine and clarity that fill so much of our ordinary lives. For me, Bachman is that voice.“
Stephen King, „The Importance of Being Bachman“

Nun ist The Running Man nicht die einzige Bachman-Verfilmung, die dieses Jahr ins Kino kommt. Im September ist auch The Long Walk gestartet, den ich nicht gesehen habe, aber der The Running Man auch in seiner Struktur ähnelt: Ein grausames, tödliches Spiel, das einen großen Gewinn verspricht, aber – soweit ich weiß – in einem Pyrrhussieg endet. Und natürlich frage ich mich, inwiefern die heutige Zeit die Ära der Bachman-Romane so spiegelt, dass sie wieder populär werden.

Natürlich lassen sich Zeiten nie 1:1 aufeinander übertragen, das wäre viel zu einfach, aber wie in den 70ern das Fernsehen metastasierte passt schon zur gesellschaftlichen Polarisierung, die heute Social Media zugeschrieben wird. Genauso wie die dystopische Desillusionierung mit dem Politikbetrieb. Heute – mit dem Faschismus an der Türschwelle – vielleicht sogar schlimmer als damals.

Normalität im Angesicht der Katastrophe

So weit, so einfach und küchenpsychologisch. Was mich an dem Thema aber nicht losgelassen hat, ist die Wechselwirkung mit einem andern Phänomen, über das ich schon länger nachdenke. Ich habe hier im Blog schon einmal über das paradoxe Gefühl der Normalität im Angesicht der Katastrophe geschrieben. Anfang des Jahres ist es mir erneut eindrucksvoll begegnet, als ich Hans Falladas Kleiner Mann, was nun? von 1932 gelesen habe (auf den ich – intertextuelle Serendipity – auch nur gekommen bin, weil ich Saša Stanišićs Herkunft gelesen habe und der Erzähler darin den Roman in einem Nebensatz entdeckt).

Die Kurzform: Wir können nur erahnen, ob wir in später mal historisch bedeutsamen Zeiten leben. Manchmal gibt es deutliche Indikatoren (Pandemie), meist ist es aber nur ein diffuses Hintergrundrauschen (Klimawandel, Faschismus). Wenn in einigen Jahrzehnten ein Highlight Reel unserer Zeit zusammengeschnitten würde, mag man dasitzen und denken „Was waren das für krasse Zeiten, in denen ständig unglaubliche Sachen passiert sind“, aber das entspricht nicht dem, wie es sich anfühlt, wenn man mittendrin steckt.

Das mag man als Abstumpfung sehen, aber ganz viel davon ist auch einfach die Tatsache, dass das Leben ja weitergeht. Jeden Tag schlage ich mich, genau wie die meisten anderen Menschen, mit ganz normalen Problemchen im Job, in der Familie, in der Freizeit herum. Und, wie King ja auch zurecht schreibt, gibt es gleichzeitig mit den weniger schönen Dingen, die passieren, auch nach wie vor ganz viel „sunshine and clarity“ im Alltag. Ein ständiger historischer Alarmzustand ist nicht durchhaltbar. Umso erstaunter bin ich über Social-Media-Accounts vieler Aktivist:innen, die nicht müde werden, mir jeden Tag vor Augen zu führen, welche schlimmen Sachen ich heute schon wieder größtenteils ignoriert habe.

Kleiner Mann, was nun? hat dieses Gefühl für mich perfekt verkörpert. Der Roman erzählt die Geschichte eines Paares in den Jahren, in der er auch geschrieben wurde, also kurz vor der Machtergreifung der Nazis. Die Unruhen der Zeit – SA-Aufmärsche in den Straßen, wachsende politische Instabilität – tauchen in der Geschichte immer wieder im Hintergrund auf, geben ihr sogar das eine oder andere Mal einen leichten Schubs. Im Mittelpunkt aber steht der Alltag von Johannes und Emma, die versuchen, in einer immer prekärer werdenden finanziellen Situation ein Baby in Liebe großzuziehen. Dabei erleben sie angsteinflößende, aber auch schöne Momente. Aber sie haben keine Zeit, keine Energie, um sich mit den historischen Umwälzungen ihrer Zeit zu beschäftigen, weil sie viel zu viel Alltag zu bewältigen haben.

Ich will meine Situation nicht mit der eines 1932 in Armut lebenden Paares vergleichen. Mir geht es nur um das Bewusstsein, dass große Katastrophen und banaler Alltag gleichzeitig passieren und ich nicht weiß, ob es einen „angemessenen“ Umgang damit gibt. Stephen Kings Weg, die eigene Überforderung in wütende, nihilistische Kunst zu gießen – oder vielleicht auch diese zu konsumieren – ist eine Möglichkeit. Es kann gut tun, die Wut in sich am Leben zu erhalten, weil sie einen vielleicht früher oder später doch ins Handeln bringt.

So wie in Hans Fallada letztem Roman Jeder stirbt für sich allein, den ich gerade lese. Auch hier geht es wieder um die „kleinen Leute“, die eigentlich genug Alltag zu bewältigen haben, um sich mit der historischen Ungerechtigkeit zu beschäftigen, die rund um sie herum passiert. Aber man merkt, dass Jeder stirbt für sich allein 1940 spielt, acht Jahre nach Kleiner Mann, was nun?, und noch einmal sechs Jahre später, also nach Kriegsende, geschrieben wurde. Fallada besitzt also bereits die Fähigkeit zur Rückschau. Allerdings basiert der Roman auch recht genau auf realen Ereignissen. Erneut geht es um ein Ehepaar, das sich bisher vor allem um sich selbst gekümmert hat. Als ihr einziger Sohn aber im Krieg fällt, platzt im Kopf des Mannes etwas und gemeinsam entscheiden sich die beiden, einzelne Postkarten mit aufrüttelnden Botschaften auszulegen. Ein kleiner Akt des Widerstands, der ihnen zwar kurze Zeit später zum Verhängnis wird, aber sie weniger gebeugt schlafen lässt.

Mir ist klar, dass ich hier vage und vielleicht schwer nachvollziehbare Verbindungslinien ziehe. Zu einer klaren These oder gar Handlungsaufforderung möchte sich die ganze Gemengelage auch in meinem Kopf nicht verdichten. Ich stelle nur immer wieder fest, wie mir Kunst hilft, aus unterschiedlichen Winkeln auf die gleiche Welt zu blicken, und manchmal vielleicht sogar etwas daraus mitzunehmen. Belassen wir es für heute dabei.

Foto von sporlab auf Unsplash

Höreindrücke: Nice & Nötig, Deep State, Unsere Franzi, Wolf of Cannabis

Nice & Nötig – Der Podcast für gute Ideen (Übermedien)

Ich bin begeisterter Leser von Annika Schneiders Artikeln und mag sie auch persönlich. Es ist also kein Wunder, dass sie sich hier auch als gute Interviewerin zeigt. Vom Konzept des Podcasts bin ich dennoch nicht ganz überzeugt. Die Gespräche sind nicht so zielgerichtet, wie sie sein könnten, vor allem wenn die Interviewpartner:innen nicht ganz mitmachen (wie in der ersten Folge). So kommen die „guten Ideen“ aus dem Titel nicht so klar raus, wie ich sie mir gewünscht hatte. Außerdem habe ich etwas an der Distribution zu mäkeln: Holger Klein hat im regulären Übermedien-Podcast schon zweimal angekündigt, dass „Nice & Nötig“-Folgen in „seinem“ Feed auftauchen würden, das ist aber nicht passiert. Schade, wenn redaktionelle Abstimmung so schiefläuft.

Hateland: Deep State (WDR)

Obwohl ich das Thema für sehr relevant halte und gerne mehr darüber erfahren hatte, bin ich hier nicht reingekommen. Wenn Sachverhalte erklärt wurden, war ich an Bord, auch mit dem Ton des Podcasts. Aber immer wenn ich dann dem Reporter und seinem Hund wieder auf Recherchetrips folgen musste, fühlte sich das an wie nicht sehr ergiebiges Füllmaterial. Fast schon unlauter fand ich es, am Ende von Folge 1 einen großen Fund in Folge 2 anzuteasern, der sich dann als Luftnummer entpuppt.

Unsere Franzi — Being Franziska van Almsick (ARD)

Zu meckern habe ich hier eigentlich nur an dem merkwürdigen Doppeltitel, der sich auf den ohnehin überflüssigen englischen Titel der TV-Reportage bezieht, aber dann aus irgendeinem Grund noch einen draufsetzen musste. Ansonsten eine sehr dicht erzählte Doku, die den Zugang zu seiner Protagonistin voll ausnutzt ohne dabei journalistische Distanz vermissen zu lassen. Und mit vier Folgen angenehm überschaubar.

Wolf of Cannabis (1LIVE)

Hier stimmte alles, fand ich. Die Reportage-Elemente sind nicht nur Schmuck, sondern helfen tatsächlich dabei, Thema und Protagonist runder zu machen. Das Host-Team macht seine Arbeit transparent und zeigt gleichzeitig klare Haltung. Das Thema ist in seiner Komplexität gut aufgedröselt und nimmt sich die Dimensionen einzeln vor, ohne das große Ganze zu vergessen. Ausführliche Kritik in der nächsten Ausgabe von LÄUFT.